Valentine era miembro de un grupo de artistas del sur de California que, durante los años 60, incorporaron materiales industriales a medios trascendentes y mínimos. Algunos de los escultores fueron etiquetados como artistas Finish Fetish por su obsesión con las superficies suaves y sensuales. Si bien ciertos críticos en ese momento lanzaron ese término burlonamente, estaba claro que Valentine era más que hábil con los materiales de su elección y que también tenía objetivos formales, a saber, evocar nuevos tipos de percepción óptica a través de los plásticos.
Cuando se le pidió que describiera su proceso en un 1969 Artforum entrevista, dijo, “Es una reacción exotérmica entre el peróxido de metiletilcetona, que es el catalizador, y el leoleanato de cobalto o manganeso, que está en la resina. Es una oxidación entre el peróxido y el cobalto que, si los mezclaras directamente, explotaría”. Agregó que todo esto convirtió a sus esculturas en una forma de “arte que se cocina a sí mismo”. En 1970, subrayando aún más su afinidad por la ciencia involucrada en la fabricación de estos trabajos, se asoció con Hastings Plastics Company en Santa Mónica para fabricar una resina altamente estable que lleva su nombre: Valentine Maskast Resin No. 1300-17.
Desde el principio, Valentine demostró su voluntad de aventurarse en un territorio que pocos artistas habían explorado, tomando materiales que se consideraban más parte de la nueva tecnología que del arte. A mediados de los años 40, la Fuerza Aérea y la Armada desclasificaron el plexiglás y la resina de poliéster, respectivamente. En ese momento, Valentine era un estudiante de secundaria y, como lo recordó en un 2019 Ferrocarril de Brooklyn entrevista, su maestro de taller le mostró el potencial de lijar y cortar esos materiales para suavizarlos. Para consternación de sus padres, Valentine comenzó a intentar cocinar resina en casa en el horno de su familia.
Pero el uso de estos plásticos se convirtió en un escollo cuando Valentine se convirtió en un artista maduro durante los años 60. En ese momento, la pintura reinaba por encima de todo, y cuando Valentine llevó su trabajo a las galerías, se negaron a comprometerse con él, diciendo que no mostraban plásticos. No fue hasta que llamó la atención de un galerista particularmente epocal, Leo Castelli, que mostró en Nueva York. En 1964, Douglas Chrismas, un marchante de Los Ángeles, se convirtió en el primero en ofrecer a Valentine una exposición individual en California, donde el artista residía desde hacía mucho tiempo. (Durante parte de su carrera, Valentine también se instaló en Hawái, donde conoció a su esposa Kiana).
En 1965, Valentine fue atraído a Venecia cuando consiguió un trabajo en la Universidad de California, Los Ángeles. “Luego me despidieron, dos veces, por enseñar a los estudiantes de arte a usar plásticos porque la vieja guardia prefería el olor de la pintura al óleo”, dijo al periódico. Ferrocarril de Brooklyn. El trabajo le ofreció la proximidad a un océano pintoresco que luego buscaría imitar en sus obras, y a artistas como Robert Irwin y Larry Bell, quienes vivían a una cuadra de su estudio. También mantendría contacto con artistas de Nueva York como el escultor minimalista Dan Flavin, a quien Valentine contaba como amigo.
de wain valentin, Círculo Cóncavo Azul Verde1968–2017.
Cortesía de Almine Rech
Las obras que Valentine produjo durante esta época son semitranslúcidas y ricas en matices, a menudo evocando el paisaje que lo rodea a través de azules y amarillos intensos. en un 2011 New York Times perfilValentine dijo que buscó «cortar grandes trozos de océano o cielo y decir: ‘Aquí está'».
De Wain Valentine nació en Fort Collins, Colorado, en 1936, y supo muy pronto que quería ser artista porque le gustaba dibujar caballos. Estudió arte como estudiante universitario en la Universidad de Colorado y luego recibió un MFA de la Escuela de Arte de Yale en Norfolk, Connecticut. En el camino, fue asesorado por artistas como Richard Diebenkorn, Philip Guston y Clyfford Still.
La obra magna de Valentine fue encargada por los Laboratorios Baxter Travenol en Deerfield, Illinois, en 1975, pero ese trabajo, titulado columna gris (1975), no fue muy conocido hasta que el Getty Conservation Institute lo restauró. Fue exhibido por el Museo Getty en la edición de 2011 de Pacific Standard Time, una serie de exposiciones que destaca la historia del arte de California. A esa exposición se le atribuye haber ayudado a lanzar a Valentine a una fama más amplia.
Ese trabajo, un par de formas negras de 12 pies de altura que se vuelven cada vez más esbeltas a medida que se elevan hacia el techo, fue moldeado con miles de libras de resina. Inicialmente destinado a un espacio de 24 pies de altura cuyos techos se bajaron posteriormente, el trabajo estaba destinado a mostrarse de pie, pero se exhibió de lado. Durante años antes del show de Getty, la pieza estuvo guardada en el estudio de Valentine. Una de sus columnas fue presentada en el Getty, aunque fue hasta una exposición de David Zwirner en Nueva York en 2015 —su primera muestra en la ciudad desde 1981— que ambas columnas se vieron una al lado de la otra.
Después de la exhibición de Getty, el trabajo de Valentine fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, que le había hecho una encuesta al artista en 1979.
Después columnas grises, Valentine dejó de depender de la resina de poliéster debido a su toxicidad. Y aunque el trabajo se volvió más difícil para él en las últimas etapas de su carrera debido a la fisicalidad de su proceso, Valentine continuó creando esculturas en su última década. “Un grupo de mis amigos y yo decimos: ‘Los artistas nunca se jubilan; simplemente nos cansamos’”, dijo dicho L’Oficial en 2015.
