(Alerta de spoiler: este artículo contiene información y puntos de la trama del segundo episodio de La exposición.)
Como dice el refrán, sin riesgo no hay recompensa. Esta semana no es una excepción para los siete artistas que compiten en La exposición, una nueva docuserie de seis episodios creada por el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn y MTV. Con solo siete horas asignadas para hacer una pieza, muchos de los artistas se esforzaron por salir de sus zonas de confort.
Los sentimientos de rivalidad retenidos desde la competencia de la semana pasada abrieron el segundo episodio, pero luego parecieron disiparse en medio de una ráfaga de creación artística.
Los jueces invitados Samuel Hoi, presidente del Maryland Institute College of Art, donde se encuentran los estudios de los artistas, y Jia Jia Feng, un estratega digital que actualmente trabaja con Hirshhorn, se presentan en la parte superior del espectáculo.
La comisión de esta semana destaca una obsesión global con las redes sociales. Los artistas son juzgados por su originalidad, calidad de ejecución y concepto de trabajo, con un recordatorio de la directora de Hirshhorn, Melissa Chiu, que dice: «El gran arte siempre tiene un fuerte punto de vista, así que no dudes en mostrar el tuyo».
El espíritu de inmediatez estaba en plena exhibición, mientras los artistas lidiaban con las formas en que las redes sociales han impactado el arte y los procesos creativos, así como nuestras vidas en general.
Si bien todavía tenemos que comprender el impacto total de las redes sociales en el arte y la cultura, Feng señaló que se ha convertido cada vez más en un punto de descubrimiento y conexión entre los creativos: “Lo primero que hago cuando escucho sobre un nuevo artista es buscar ellos en las redes sociales. Miro su trabajo”.
Chiu agrega: “Solía haber una gran jerarquía entre la cultura popular y las bellas artes. Este tipo de líneas duras que antes formaban parte de la sociedad se han disipado con las redes sociales”.
Algunas de las mejores ideas del grupo surgieron de este desdibujamiento de los límites entre la vida y el arte, lo personal y lo profesional, lo real y lo percibido. Clare Kambhu creó una pintura de naturaleza muerta de un teléfono que mostraba un escritorio de la escuela con algo escrito y una pared cuadriculada de teléfonos celulares viejos que recreaba la imagen de la pintura en forma fragmentada, mientras que Jillian Mayer construyó una escultura interactiva hecha de materiales industriales destinados a apoyar a las personas en sus teléfonos, una serie en curso que ella cariñosamente llama «slumpies».
Sin embargo, quizás la encarnación más personal de la tarea fue Baseera Khan y su relación con el fenómeno cultural en ascenso. Khan, quien creó un selfie en movimiento con partes del cuerpo realzadas, creció como musulmán ortodoxo y describió la confusión de su familia sobre su deseo de ser artista.
“Empecé a escabullirme a espaldas de mi familia para tomar clases de arte”, dijo Khan. “Cuando era más joven no tenía acceso a personas que se parecían a mí, que pensaban como yo: musulmanes de color. Entonces, estar en las redes sociales y entrar en una red significaba que podía hablar con personas que tienen ideas afines”.
Khan explicó lo importante que era para ellos allanar el camino a los grupos marginados y cómo, después de su exposición individual «Soy un archivo» (2021-22) en el Museo de Brooklyn, su familia finalmente los vio como artistas.
Frank Buffalo Hyde, cuya pintura capturó un baile de búfalo indígena a través de un teléfono celular, comparó la tecnología en desarrollo con las del pasado, como la desmotadora de algodón y la máquina de vapor, una comparación acertada que señaló cómo el auge de las redes sociales se ha utilizado como un vehículo para la conexión personal y la disidencia política.
Este impulso informó la inspiración de este episodio: la lista de 2009 de Ai Weiwei con los nombres de más de 5000 niños que murieron en el derrumbe de un edificio después de un terremoto en China.
En el estudio, comenzaron a formarse conexiones entre los escultores de medios mixtos Khan, Mayer y Misha Kahn, quienes se ofrecieron orientación mientras construían extrañas fusiones de materiales, mientras que sus contrapartes parecían levemente molestos por el ruido resultante.
A medida que los artistas instalaban sus obras, quedó claro que ciertas piezas no se estaban ensamblando como se esperaba. La ganadora de la semana pasada, Jennifer Warren, parecía no tener confianza en sus pinturas, mientras que los grabados en linóleo de Jamaal Barber todavía estaban húmedos cuando se instalaron. Kahn, quien creó una cinta transportadora destinada a simular el interminable pergamino de la perdición, una vez más luchó para hacer realidad su visión con materiales encontrados al azar. En esta ronda, todas las obras se juntaron sin ningún contratiempo ni mayor dramatismo.
Una crítica de Chiu, Feng y Hoi destacó algunos de los éxitos y fracasos de cada pieza. En su opinión, la serie de pinturas de Warren que considera el yo curado tal como se presenta en las redes sociales era «demasiado en la nariz». Las impresiones de Barber también fracasaron, ya que no capturaron lo suficiente ese sentimiento de desplazamiento, mientras que la presentación de Kambhu entre los teléfonos celulares y la pintura podría haber sido más pulida.
Según los jueces, se redujo a tres piezas: la selfie en collage de Khan, la pintura de Buffalo Hyde y la escultura de Mayer. Aunque los tres presentaron obras sólidas, el collage de Khan presentó una perspectiva de múltiples capas que allanó el camino para una victoria clara, una que pareció unánime entre los jueces y los concursantes por igual.
