Después de más de 75 años, el Museo de Arte Contemporáneo de Houston mira su futuro con una expansión

A pesar de ser la cuarta ciudad más poblada del país, Houston es, en muchos sentidos, un secreto muy bien guardado en lo que respecta a su escena artística. Lo que los extranjeros a menudo malinterpretan aquí como falta de cultura es más bien una falta de centralizado cultura. Con una especie de miasma esquizofrénico, su aparentemente interminable maraña de cemento, centros comerciales y leyes de prohibición de zonificación le dan a la metrópoli una sensación simultánea de expansión sin cultura y al mismo tiempo rebosante de un espíritu sincero y positivo para posibilidades ilimitadas. La humildad, la sinceridad y el entusiasmo de su gente, una de las más diversas de Estados Unidos, es lo que lo hace especial.

Es este espíritu el que el Museo de Arte Contemporáneo de Houston lleva en sus venas. Fundada en 1948, la CAMH celebró recientemente su 75.º aniversario con la exposición “Seis escenas de nuestro futuro” (octubre de 2023 a marzo de 2024). La curadora principal Rebecca Matalon y la curadora Patricia Restrepo invitaron a seis artistas a responder a la primera exposición de CAMH, “Esto es arte contemporáneo”, cuyo objetivo era cómo las personas podían vivir con lo contemporáneo, colocando audazmente obras de arte junto con muebles, diseño y elementos arquitectónicos. Esos artistas (Jill Magid, Leslie Martinez, Mel Chin, Leslie Hewitt, Lisa Lapinski y JooYoung Choi) tienen una relación con Houston o CAM Houston, y el trabajo expuesto continuó el legado de la presentación inaugural de disolver categorías artísticas.

Fundada como Asociación de Arte Contemporáneo por seis artistas y arquitectos locales como una especie de cooperativa de artistas, la organización tenía como objetivo llevar las artes contemporáneas a Houston e imbricar la ciudad con una comunidad artística más rica y sofisticada. Debido a que CAA no tenía un espacio en ese entonces, “Esto es Arte Contemporáneo” se presentó en el Museo de Bellas Artes de Houston.

“Poco después de su fundación había más de 200 miembros”, dijo Matalon sobre los primeros días de CAMH. «Tu pagaste [dues] y exhibiste tu trabajo a través de tu membresía y, por supuesto, a medida que la institución evolucionó y se entendió que Houston realmente necesitaba un espacio para el arte contemporáneo, su misión también cambió”.

El museo pronto se mudó a una ubicación semipermanente cerca del centro de Houston y luego a su hogar actual, el icónico paralelogramo de acero inoxidable diseñado por el arquitecto letón Gunnar Birkerts, en el Distrito de los Museos. Y pronto, es probable que vuelva a crecer a medida que el museo contempla una posible expansión. A pesar de todo, CAMH ha sido durante mucho tiempo un agente visionario en la definición del panorama cultural de Houston.

“Siempre ha sido una especie de institución realmente radical y experimental en su apoyo a las artistas mujeres y de color desde el principio, su apoyo a los artistas que trabajan en todas las disciplinas y medios”, dijo Matalon. «CAMH ha sido realmente un lugar de experimentación y juego radicales».

De hecho, la inauguración del CAMH se situó al borde de un cambio tectónico en la historia del arte: los Estados Unidos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Si bien se situó firmemente durante el apogeo del expresionismo abstracto, tanto la curaduría de “This is Contemporary Art” como el tenor de su catálogo de exposición se sintieron muy proto-pop en cómo la exposición podía mostrar a los habitantes de Houston cómo el arte expuesto también podría encajar en su vida cotidiana. vidas.

Para lograrlo, la exposición exhibió arte moderno junto con otros géneros, como diseño gráfico, diseño de interiores, artesanía e incluso objetos del hogar de una manera, para su época, innovadora. Entre los artistas y diseñadores incluidos se encontraban Georges Braque, Alexander Calder, Mary Callery, Stuart Davis, Charles Eames, Walter Gropius y Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Knoll, Jacob Lawrence, Fernand Léger, John Marin, Joan Miró, Henry Moore, Edward Weston y Frank Lloyd Wright.

«Las estrategias utilizadas en la exposición inaugural estaban ocurriendo en otros lugares», dijo Matalon. “Las formas en que existía este tipo de sinergia entre el diseño comercial y museológico en términos de cómo se mostraban los objetos. Aquí no pasó nada parecido [in Houston].”

A medida que pasaron las décadas y el alcance de CAMH creció, las ideas sobre lo que constituía la noción de “arte contemporáneo” también evolucionaron, cambiando su política en la década de 1990 para exhibir obras realizadas en los últimos 40 años. En los últimos años, el museo también ha organizado una serie de exposiciones emblemáticas, entre ellas “Presencia radical: actuación negra en el arte contemporáneo”, que se inauguró en 2012 y luego viajó por todo el país, y “Stonewall 50”.

Enero de 2020 trajo un nuevo director ejecutivo, Hesse McGraw, quien entendió “la forma en que CAMH necesitaba cambiar en relación con nuestro momento actual en relación con [the] «Las múltiples crisis de la pandemia, incluida la muerte de George Floyd, y la urgencia con la que necesitábamos responder a diferentes tipos de crisis sociales y políticas», dijo Matalon.

En “Six Scenes”, dos artistas, JooYoung Choi y Leslie Hewitt, Miremos retrospectivamente la historia del CAMH dentro del clima sociológico más amplio de finales de los años 40. En la investigación de Choi para la exposición, descubrió revelaciones inquietantes sobre el pasado racista de la exposición inaugural: “Quería saber sobre esa primera exposición y a quién se le permitió estar en esa primera exposición, dijo. “Y entonces, ahí es donde surgió mi investigación sobre el hecho de que el primer espectáculo de CAMH fue segregado, y Jacob Lawrence, que es uno de mis artistas favoritos, trabajó en ese espectáculo y no habría podido ir al festival. apertura.»

En una instalación de títeres y un vídeo, Choi reflexiona sobre estos dolorosos aspectos de la historia racial de CAMH. Su vídeo de 2023, Pleasure Vision y regalos intergalácticos de VFC: grandes momentos en el útero cósmico, recrea “mi versión de ocho años”, dijo. «Esa es mi versión de ‘ser puro’… completamente fluida y simplemente ama lo que hace: la niña que se sienta y pinta acuarelas hasta que se pone el sol, y tienen que decirle que entre». El asombro infantil en la obra actúa como una forma de desarmar al espectador y permitirle confrontar las realidades más difíciles del racismo y otras formas de intolerancia que analiza en la obra, mientras personajes radicalmente diversos coexisten, prosperan y luchan por la libertad en la obra de Choi. mundo paracósmico.

La investigación de Hewitt la llevó a John S. Chase, el primer arquitecto afroamericano con licencia en Texas. “Pensando en este colapso del diseño, la arquitectura y las ‘bellas artes’, ya había un interés creado en que el arte puede prometer algo que aún no se estaba entregando a la sociedad”, dijo. Eso la llevó a una serie de preguntas: “¿Cómo puedo conectar los puntos? ¿Qué otra vista puedo aportar? ¿Qué significa para esta institución mirar hacia atrás en su pasado?”

Hewitt, quien colaboró ​​con el artista Iman Raad en la pieza de diseño gráfico. cuarenta y cuatro cincuenta cincuenta y cuatro sesenta y ocho (2023), combinó el texto de casos judiciales fundamentales de derechos civiles de la época, particularmente Sweatt contra el pintor, que le otorgó a Chase la admisión a la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Texas, con el plano residencial que Chase usó para diseñar su propia casa para crear un diseño arquitectónico abstracto. El trabajo culminó con una pila de carteles en el suelo que los visitantes podían llevarse a casa, al estilo Félix González-Torres.

La arquitectura también aparece en otra de las contribuciones de Hewitt a la exposición, dos obras sin título que recrean las medidas originales de las paredes del MFA Houston que acogió “This is Contemporary Art”. Hewitt ve esta arquitectura como parte de los metadatos de la institución. «Es inquietante: el pasado tiene una resonancia», dijo.

Entonces, ¿qué sigue para la CAMH? «Estamos en las etapas iniciales de una posible expansión futura que posicionará al museo para que tenga un mayor impacto en nuestra ciudad y dentro de nuestra comunidad», dijo McGraw, director de CAMH, en una entrevista telefónica reciente. «Estamos al comienzo de la planificación de cuál sería el diseño más impactante de nuestro campus en el futuro».

Como parte de esta expansión, el museo adquirió varias propiedades adyacentes a lo largo de Bayard Street, lo cual, según McGraw, “fue un esfuerzo que realmente tomó 40 años; sucedió muy rápidamente, en los últimos nueve meses”.

Por ahora, aún no está claro cómo se manifestará esta expansión, aunque CAMH «involucrará a un Comité Asesor Comunitario para garantizar que la visión y los objetivos del proyecto estén informados por la experiencia y los valores de los representantes, y alineados con las aspiraciones compartidas de la comunidad», según a un comunicado de prensa.

¿Cambiarán las ideas de la CAMH sobre el arte contemporáneo (especialmente con su inminente expansión) en los próximos 25 o 50 años? Matalon postuló: “Lo contemporáneo es contextual”.