El arte indígena australiano finalmente está recibiendo su reconocimiento en las principales instituciones locales

El recién inaugurado Sydney Modern, el nuevo edificio de la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en Sydney, es una señal de una nueva era para la institución. Además de los nuevos espacios de exhibición temporal, su único espacio de exhibición permanente es el nuevo hogar de la Galería Yiribana, que está dedicada exclusivamente al arte de los aborígenes y los isleños del Estrecho de Torres. Desde los años 90, la Galería Yiribana había estado ubicada en el edificio original de estilo neoclásico del museo (exterior de piedra arenisca, columnas dóricas, rematado con un frontón triangular) y durante años mostró una visión muy limitada del arte australiano contemporáneo: principalmente artistas varones blancos. . Y debido a que estaba ubicado en un sótano, la mayoría de los visitantes a menudo se perdían tratando de encontrarlo.

“Creo que siempre ha sido el deseo de reubicar la galería”, dijo Cara Pinchbeck, curadora principal de la Galería de Arte. ARTnoticias. Ahora la Galería Yiribana estará al frente y al centro.

En un momento en que muchas instituciones de arte australianas no tenían espacios dedicados al trabajo de artistas indígenas contemporáneos, el establecimiento de la Galería Yiribana en 1994 fue un punto de inflexión. Aunque el museo ya había estado exhibiendo el trabajo de artistas indígenas desde 1973, estaba en lo que se llamó la “Galería de Arte Tribal” o “Primitiva”. Nombrarlo «Yiribana», que significa «el camino» en Dharug, el idioma aborigen de Sydney, fue un claro reconocimiento de que el arte indígena era parte de la Australia moderna y no solo de su pasado lejano. Aún así, fue necesario hasta principios de la década de 2000 para que los números de acceso cambiaran de «P» (para primitivo) a «IA» (Indígena australiano), y para que las obras de este departamento de colección se mostraran en otras partes del museo.

La Galería de Arte de Nueva Gales del Sur ha sido una de las instituciones pioneras, coleccionando arte de artistas aborígenes en serio en la década de 1950, pero el interés más amplio en el arte indígena dentro del mundo del arte australiano no se recuperó hasta la década de 1970. Antes de eso, había sido una serie de «altibajos», dijo Bruce Johnson McLean, subdirector de participación indígena de la Galería Nacional de Australia. ARTnoticias. Artistas como Albert Namatjir, que pintó paisajes en la representación europea tradicional, y Nym Banduk, que pintó con una técnica de puntos indígenas sobre corteza, habían ganado cierta prominencia a mediados del siglo XX, pero “a partir de 1970, comenzamos a hablar sobre el movimiento porque reúne a muchas comunidades, a mucha gente”, dijo. “Se convierte en este maremoto que ya no se puede borrar ni ignorar”.

En 1971, un maestro de escuela visitante en Papunya, un asentamiento rural a 150 millas de Alice Springs en el Territorio del Norte, pidió a sus alumnos que pintaran un mural en la escuela. Algunos de los hombres mayores de la tribu, que trabajaban como jardineros, vieron y preguntaron si podían hacerlo ellos en su lugar para que los niños pudieran saber de dónde venían. Los hombres lo disfrutaron tanto que continuaron pintando.

“El deseo de pintar superó los materiales disponibles”, dijo Johnson McLean. Pronto se dedicaron a los acrílicos por encima de la laboriosa tarea de tener que recolectar y procesar el ocre natural. También comenzaron a pintar sobre cualquier superficie disponible: tableros de composición, puertas, piezas de automóviles. Sin darse cuenta, crearon arte que podía ser transportado a otro lugar, fuera del desierto, para ser exhibido y vendido.

Hubo muchos otros movimientos que se cruzaron con el impulso artístico inicial. “Habla de una experiencia no uniforme con el compromiso con los pueblos indígenas”, dijo Johnson McLean. “Lo único uniforme es el racismo”. (Entre otros grupos, los indígenas australianos no se contaban como parte de la población en todos los contextos hasta 1967, y sus hijos seguían siendo asimilados a la fuerza hasta la década de 1970).

Desde el principio, el reconocimiento de Australia de su arte indígena ha sido un poco fortuito. Al comienzo del coleccionismo de las instituciones locales, obras como el tejido y la pintura de corteza se consideraban más como arte popular que como bellas artes. “Simplemente no había forma de interactuar con él o entenderlo en los espacios que necesita hacer en un museo”, dijo Johnson McLean. Del mismo modo, la Galería Nacional de Australia ha elegido a dos importantes curadoras, las mujeres indígenas australianas Kelli Cole y Hetti Perkins (que dirigieron el cambio de acceso al arte indígena de la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur), para organizar una importante retrospectiva inaugural el próximo año de Emily Kame Kngwarreye, una de las los artistas australianos más populares.

Aunque documentos, como el documento fundacional de la Galería Nacional, el Informe Lindsay de 1966, establecen claramente un enfoque en el arte indígena, las instituciones carecían de indígenas en el personal que pudieran contextualizar el valor y el significado de las obras. “Muchas de las obras fueron coleccionadas con razón por su valor estético”, dijo Johnson McLean. La competencia cultural solo comenzó a aparecer décadas después, a partir de los años 90, cuando las instituciones contrataron a indígenas australianos a un ritmo mayor y también comenzaron a dedicar galerías enteras al arte indígena, como Yiribana.

“Siempre ha sido interesante enviar el arte indígena australiano al extranjero”, dijo Johnson McLean, “porque esa ha sido la historia: debe ser reconocido en otros lugares antes de que sea reconocido aquí”. Las instituciones internacionales, desde Brasil hasta Alemania, estaban más interesadas y comprometidas con las historias y el arte de los indígenas australianos que las instituciones locales.

El interés por el arte indígena australiano ha tenido una historia sostenida en Francia, que se remonta a la década de 1970. Este año, se llevaron a cabo en París dos exposiciones con un gran enfoque en el arte indígena: «Reclamar la Tierra» en el Palais de Tokyo, que contó con cuatro aborígenes australianos de los catorce artistas, y una exposición individual dedicada a Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori en la Fondation. Cartier.

La curadora de la Fondation Cartier, Juliette Lecorne, ubica el interés internacional en el arte indígena australiano dentro de la mayor tendencia de investigación del arte indígena a nivel mundial, y agrega que el conocimiento cultural indígena se ha vuelto especialmente importante frente a la crisis climática global. “El reconocimiento y reconocimiento de todas las culturas es más esencial que nunca, específicamente para las culturas que han sido invisibilizadas, instrumentalizadas o borradas durante décadas”, dijo Lecorne.

Estos sentimientos son repetidos por la directora sénior de Gagosian, Louise Neri, quien desarrolla exhibiciones para la mega galería y también es australiana. Ella cita el comienzo de una exhibición realizada en conjunto con el comediante Steve Martin, de quien dice que es “un defensor apasionado”. (Una selección de obras de la colección de Martin se exhibió recientemente en el National Arts Club de Nueva York).

Desde esa exhibición de las posesiones de Martin en el arte indígena australiano en 2019, Gagosian ha sido uno de los defensores en el mercado secundario, colocando obras tanto con coleccionistas privados como con instituciones. Además de la «comprensión ecológica de las condiciones de existencia y supervivencia», Neri dijo que las obras de los artistas indígenas australianos también son atractivas porque actualmente tienen un precio más bajo que otras obras del mercado secundario que la galería podría comercializar, aunque son de alta calidad. las obras son escasas y difíciles de conseguir.

El renombrado artista indígena australiano Brook Andrew, quien organizó la Bienal de Sydney 2020, piensa que algunos coleccionistas ven el arte indígena australiano “como una inversión inestable, pero también hay mucha gente a la que realmente le encanta”.

Habiendo exhibido su propio arte en Europa desde 1994, Andrew dijo que ha visto un cambio gradual de la exotización a un bienvenido cuestionamiento de lo que realmente significa una etiqueta como «arte indígena», particularmente en Australia, donde hay cientos de comunidades indígenas independientes. La etiqueta en sí es la que a menudo pone el trabajo de estos artistas en una caja: aunque la asociación “primitiva” se está desprendiendo, “indígena” puede encasillar a un artista con otros sin mucho más en común además de la geografía.

Andrew compara este momento para el arte indígena australiano como comparable a cómo el mundo del arte convencional ha considerado previamente la obra de arte de artistas de otros grupos marginados, lo que a su vez crea este «colgado» en una visión no occidental del mundo. “Creo que ha sido el resto del mundo el que se ha demorado”, dijo.

Con 75,000 pies cuadrados de espacio de exhibición, el Sydney Modern casi duplica el espacio de exhibición de la Galería de Arte de NSW. Para celebrar su inauguración, la galería encargó obras a gran escala de nueve artistas, entre ellos tres aborígenes australianos: Lorraine Connelly-Northey, que ha recreado el estilo tradicional de su pueblo Waradgerie Narrbong-Galang (bolsas tejidas) en metal recuperado; Karla Dickens, quien hizo un panel de medios mixtos de 6.5 pies de largo que muestra figuras encapuchadas; y Jonathan Jones, cuyo trabajo se dará a conocer el próximo año en un puente terrestre e incluirá quemas en frío por parte de los aborígenes cada año.

Con proyectos como este y en otros lugares del país, el arte de los indígenas australianos “se está integrando por completo en todas las conversaciones sobre el arte australiano”, dijo Pinchbeck. “Ahora ocupa un lugar central”.