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En la venta Modern Evening de Sotheby’s el próximo mes, una pintura al óleo de Edward Hopper, Graneros de Cobb, Truro Sur (1930-1933), llegará al bloque con una estimación de $ 8 millones a $ 12 millones. Ese trabajo es uno de los ocho en el expediente de la subasta en mayo propiedad de la Museo Whitney de Arte Americano, que también vende piezas de menor valor de Hopper, Maurice Prendergast y John Marin.
Sí, el Whitney está incursionando en la desvinculación, el hombre del saco perenne del mundo del arte institucional. Las liquidaciones tienden a evocar rencor y bilis entre la vieja guardia del mundo del arte. Pero, para muchos, ahora es solo parte de una progresión natural.
“Queremos hacer crecer la colección”, jane panetta, curador y director de la colección en el Whitney, me dijo por teléfono la semana pasada. “Esto es parte de alcanzar ese objetivo, y es un objetivo que hemos tenido durante un tiempo, realmente desde que el museo se mudó a su ubicación actual en 2015”.
“La exhibición de la colección permanente que se llevó a cabo después de la mudanza del Whitney al Meatpacking District en 2015, “America Is Hard to See”, fue un catalizador que inició a los curadores a mirar las posesiones de nuevo, dijo Panetta”.
Panetta también enmarcó la desvinculación como parte de la política de Whitney. principios fundacionales, en particular su misión de mostrar el trabajo de artistas estadounidenses vivos. Cambiar la colección se trata de reconocer que la América de hoy es marcadamente diferente de lo que era hace décadas, mucho menos hace un siglo.
“Siempre estamos pensando en cómo se define ‘el museo de arte estadounidense’, siendo conscientes de querer que la colección represente con precisión a los Estados Unidos”, dijo Panetta. “Creemos que eso significa que la colección tiene que evolucionar. Tenemos que tratar de cerrar brechas críticas, y tener fondos de dotación para adquisiciones es un medio clave para hacerlo”.
Esta no es la primera vez que el museo se enfrenta a lo que significa ser un artista estadounidense. Durante Tomás N. Armstrong III‘s como director del museo en las décadas de 1970 y 1980, un artista sin pasaporte estadounidense o tarjeta verde no se consideraba un verdadero estadounidense, y el museo incluso consideró retirar obras de artistas sin la documentación adecuada. Uno casi siniestro de esa regla: 1962 del artista japonés Yayoi Kusama Pegatinas de correo aéreo. Afortunadamente, la regla fue derogada en 1990.
Entre los críticos más vocales de la desvinculación siempre ha estado el destacado grupo de la industria Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD). Si bien la AAMD no tiene poder legal, puede y ha sancionado museos que la baja funciona por cualquier motivo que no sea reforzar su colección. Una sanción de la AAMD esencialmente prohíbe que los museos infractores presten obras de arte, compartan recursos o participen en otros esfuerzos de colaboración con las instituciones miembros de la asociación.
Mientras tanto, los que están a favor de la desvinculación, como el director del Museo de Arte Moderno de San Francisco cristobal bedford, a menudo se consideran radicales. En el puesto anterior de Bedford en el Museo de Arte de Baltimore (BMA), él vino bajo fuego en 2020 por intentar vender obras, principalmente de artistas blancos como Andy Warhol y Brice Marden, por hasta 65 millones de dólares. Ese dinero se destinaría al “cuidado de la colección” y a adquirir obras contemporáneas de mujeres y personas de color, liberando así otro dinero para aumentos salariales. El esfuerzo se abandonó después de un fuerte rechazo de los miembros de la junta, el personal y los críticos de arte de BMA. Tiempos de Los Ángeles crítico Christopher Knight famoso escribió que la liquidación propuesta convirtió al museo en “el principal exponente del descuido de las colecciones de arte”.
(El predecesor de Bedford en SFMOMA, Neal Benezra, también fue un desaccionista, vendiendo un preciado 50 millones de dólares Rothko de la colección del museo en 2019).
Uno no puede evitar preguntarse qué podría haberle dicho Knight a Alfred H. Barr Jr.., el primer director del MoMA de Nueva York, que mandato que trabaja en la colección que tenían más de 50 años se vendieran a otras instituciones, para que el MoMA pudiera adquirir obras de artistas vivos y mantenerse, bueno, moderno.
El escritor ben lerner, cuya pieza de ficción más reciente publicada en el Neoyorquino“El ferry”, toca temas relacionados con las colecciones de los museos, tiene una teoría similar a la de Barr. “Una obra de arte o una colección de biblioteca o museo o cualquier forma significativa requiere tanto la resta como la suma, ¿verdad? Requiere omisión, baja, etc., no solo atesoramiento”, dijo en una entrevista con el Neoyorquino.
Curiosamente, la venta de Sotheby’s de 2020 en la que el Museo de Baltimore iba a vender esas obras también incluyó obras del Museo de Brooklyn de Henri Matisse, Joan Miró y Claude Monet. Y, mientras que la BMA retiró sus obras dos horas antes de la venta, el Museo de Brooklyn no lo hizo. Terminó ganando alrededor de $ 20 millones.
Ambas ventas fueron posibles porque la AAMD relajó sus reglas en abril de 2020 sobre el uso de “fondos restringidos en poder de algunas instituciones” en respuesta a la pandemia de Covid-19. Si bien las reglas de la asociación en realidad no cambiaron, el grupo colocó un «moratoria de las acciones punitivas” y otorgó margen de maniobra para usar “los ingresos del arte dado de baja para pagar los gastos asociados con el cuidado directo de las colecciones”.
La AAMD codificó esa política el año pasado, permitiendo permanentemente que los museos utilicen los fondos generados por el arte dado de baja para el «cuidado directo» de los objetos de la colección de un museo, con criterios específicos de lo que constituye «cuidado directo». Vender trabajo para compensar los costos operativos o los salarios sigue siendo un tabú. Sobre el grupo de trabajo que redactó la política: Bedford, junto con Glen Lowry, director del Museo de Arte Moderno.
Para aquellos que están al tanto: Lowry y el MoMA iniciaron el último ciclo importante de noticias sobre la desvinculación en septiembre pasado, cuando Sotheby’s lo anunció. vendía 80 obras por un valor aproximado de 70 millones de dólares que había estado en préstamo al MoMA desde 1990.
No todos estaban contentos con la decisión de la AAMD. En 2021 erik neil del Museo de Arte Chrysler en Norfolk, Virginia, dijo a la New York Timesde la política, “si quieres voltear pinturas, hay muchos otros tipos de instituciones donde puedes hacerlo, y se llaman galerías comerciales”.
El plan de baja de Whitney puede estar en sintonía con las pautas de la AAMD, pero también lo estaba el plan BMA de Bedford, y sabemos cómo resultó. Las obras de arte de Whitney, según Panetta, provienen solo de áreas donde el museo tiene «existencias profundas, donde tenemos ejemplos más fuertes y similares de los mismos artistas: Prendergast, Marin, Hartley y, por supuesto, Hopper». La BMA argumentó lo mismo sobre sus participaciones en Warhol.
Aún así, Panetta entiende por qué la idea de las obras de baja se considera prohibida. “Creo que la gente se pone ansiosa con la baja porque parece deshacer ese objetivo” del museo de ser un “administrador permanente de los objetos que colecciona”, dijo.
Si bien el plan de Whitney no incluye una obra monumental análoga a la de Warhol que la BMA intentó vender en 2020, el nombre de Hopper es casi sinónimo del museo. Y aunque la pintura que se subasta no llegó a la reciente muestra Hopper del museo, sí lo hizo. pasar el rato en el Despacho Oval durante el mandato del presidente Barack Obama, lo que al menos debería mantener las cartas de oferta en movimiento en mayo.
En cuanto a si la venta generará una reacción violenta, solo tendremos que esperar y ver.
