Ilya Kabakov, artista pionero de instalaciones y crítico de Rusia con ojos de barrena, muere a los 89 años

Ilya Kabakov, un artista cuyas amplias obras dirigieron claramente su objetivo a los sueños implosionados de la Unión Soviética, dando paso a nuevas posibilidades para el arte de instalación en el proceso, murió el sábado a los 89 años. Su familia anunció su muerte ese mismo día.

En vastas instalaciones, Kabakov retomó los muchos fracasos de la Unión Soviética, donde vivió durante décadas antes de partir hacia Occidente. Al construir los mundos de los personajes imaginarios a través de obras de arte del tamaño de una habitación, Kabakov ofreció versiones mejoradas de la realidad que vivió para los espectadores de todo el mundo.

Las visiones de Kabakov eran despiadadas, tristes y explícitamente críticas con el estado y, en ese sentido, eran bastante diferentes del arte aprobado por el gobierno que se hacía en la Unión Soviética. Por esa razón, se convirtió en un gigante de la escena artística «no oficial» de la Unión Soviética, produciendo de manera encubierta, e incluso peligrosa, obras que existían más allá de la corriente principal.

Estas obras no se pudieron mostrar en la Unión Soviética, pero se pudieron realizar en otros lugares. Con el final de la Guerra Fría, Kabakov encontró el éxito en Occidente y terminó cambiando la creación artística en Rusia, donde muchos artistas han buscado inspiración en su trabajo. Cuando él y su esposa Emilia tuvieron una retrospectiva en la Tate Modern en 2018, la historiadora de arte Claire Bishop etiquetado a él «el artista de instalación paradigmático.”

El gran avance de Kabakov se produjo en 1988, cuando se convirtió en un éxito de la noche a la mañana después de abrir una exposición individual en Ronald Feldman Fine Arts en Nueva York. El espectáculo que montó allí, «Diez personajes», fue una agrupación de instalaciones que simulaba el aspecto del apartamento comunal de 10 habitaciones donde Kabakov vivió cuando era niño. Los apartamentos compartidos como ese eran comunes entre los muchos que no podían permitirse el lujo de vivir solos, y Kabakov recordó el suyo en forma de habitaciones habitadas por un personaje invisible.

El hombre que voló al espacio desde su apartamento (1988), el más famoso de ellos, presentó un espacio enclaustrado cuyas paredes están revestidas con imágenes propagandísticas soviéticas. En su centro, colgando debajo de un agujero rasgado en el techo, había una honda destartalada que aparentemente se lanzó fuera de esta habitación. Si la Unión Soviética prometió el mejoramiento de la humanidad a través de la carrera espacial, este habitante parece haber tomado el asunto en sus propias manos, y probablemente no llegue a alcanzar las estrellas.

La exposición fue un éxito de crítica. “Para este visitante, es mejor que las películas, cualquier día”, John Russell escribió en el New York Times. “La expresión veraz de las identidades no adulteradas queda al descubierto, sin la protección de las convenciones”, escribió Kirby Gookin en Artforum.

Este tipo de creación artística contrastaba marcadamente con gran parte de lo que se producía en la Unión Soviética en ese momento. “Yo no era un artista ruso que quería mostrar el arte ruso a Occidente”, dijo una vez Kabakov en un entrevista con Anton Vidokle, un artista nacido en Rusia que fundó e-flujo. “La posición conceptual era mirar la vida soviética a través de los ojos de un ‘extranjero’ que ha llegado allí”.

A medida que crecía el favor internacional de Kabakov, sus instalaciones se ampliaron en tamaño. Laberinto (Álbum de mi madre), una obra de 1990 ahora propiedad de la Tate, guía a los espectadores a través de un laberinto que rinde homenaje a las experiencias personales de Kabakov; incluso presenta un audio de él cantando canciones rusas. Caminando por los pasillos en su mayoría vacíos iluminados solo por bombillas colgantes, finalmente se llega al centro, una habitación con nada más que escombros. El espectador debe considerar cómo se compara esto con las fotos profesionales de la ciudad rusa de Berdyansk que se exhiben en la instalación. Estas fotografías, tomadas por su tío, son las imágenes de Rusia que el gobierno puede desear mostrar.

En 1989, Kabakov comenzó a trabajar con su sobrina, Emilia, con quien luego se casó. Juntos vivieron en Berlín, luego en París y finalmente en Nueva York, donde permanecieron juntos gran parte del tiempo. Solo periódicamente regresaba a Moscú, la ciudad en la que había residido durante décadas antes de todo eso.

Incluso después del final de la Unión Soviética, Kabakov continuó produciendo arte sobre el sentido de utopía asociado con él. “La cerca del comunismo ya no existe, por lo que mi trabajo trata sobre un mundo que ya no existe; también es una sensación extraña que desaparezca el mundo en el que viví durante tantos años”, dijo. dijo el Tiempos de Los Ángeles en 1995.

Ilya Kabokov nació en Dnepropetrovsk, Ucrania, en 1933. Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, su padre se fue a luchar, dejándolo solo con su madre, quien trasladó a Kabakov primero al Cáucaso y luego a Samarcanda. Debido a que su padre no regresó después de la guerra, vivieron de forma nómada y terminaron en Moscú, donde asistió a la escuela de arte en el Instituto de Arte Surikov.

Pero, Kabakov recordó una vez en un entrevista con el New York Times, “Aprendí todo como un mono, sin sentir nada. Y cuando terminé, sentí que no estaba vivo. Así que decidí crear una obra maestra en la que pudiera poner todas mis ideas y todo lo que había sentido y toda la belleza que había visto. Creí que este trabajo me haría real”. Comenzó una gran pintura y luego la dejó atrás.

Públicamente, Kabakov produjo más de 100 libros para niños, ganándose la vida. En privado, durante los años 70 y 80, Kabakov se estaba convirtiendo en líder de un movimiento conocido como Conceptualismo de Moscú, cuyo estilo era lo suficientemente escurridizo como para evitar la censura. Respuestas de un Grupo Experimental (1970–71), una de las obras producidas durante esa época, presenta una percha confeccionada junto con una cuadrícula de frases que meditan sobre la creación artística. El filósofo y crítico de arte Boris Groys, colega de Kabakov, aceptado que el trabajo no fue del todo exitoso, pero aun así lo elogió como «liberador», señalando que lo puso en un nuevo camino en su propia escritura.

Aunque piezas como esa fueron creadas en gran parte a la vista del público, el trabajo de los Kabakov terminaría siendo exhibido en Rusia. En 2008, el oligarca ruso Roman Abramovich invirtió 3 millones de dólares en la restauración de un antiguo garaje que luego se convirtió en un centro de arte de Moscú, también llamado acertadamente Garage, que exhibió una agrupación de instalaciones de los Kabakov. Ese mismo año, Abramovich llamó la atención cuando compró una de las pinturas de Ilya Kabakov por más de $ 5 millones en una subasta.

En 1995, Kabakov había diagnosticado la “firme hostilidad de los coleccionistas que no tienen un lugar para albergar” sus obras que llenan salas, conocidas como “instalaciones totales”. Las cosas claramente habían comenzado a cambiar, incomodándolo. Llamó a la multitud que se presentó para la inauguración del garaje rozovii gnoio pus rosado.

Junto a las instalaciones, los Kabakov continuaron produciendo grandes pinturas. No fueron bien recibidos en Occidente. Claire Bishop escribió en su Artforum revisión del espectáculo de Tate Modern que son «pseudocollages horribles y exagerados cuya grandilocuencia hace que Jeff Koons corra por su dinero, pero en lugar de los efectos de Photoshop de este último, teníamos imágenes realistas socialistas que se fragmentaban en capas de trompe l’oeil». .”

Aun así, continuaron realizando sus instalaciones totales, sobre todo en el Grand Palais de París, donde organizaron el encargo “Monumenta” de 2014, llenando todo el espacio con una enorme obra llamada ciudad extraña que incluía una gran antena parabólica.

A lo largo de los años, las obras de los Kabakov aparecieron en muchos lugares internacionales, incluidas varias ediciones de la Bienal de Venecia y una edición de Documenta, y en grandes encuestas en instituciones como el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington, DC y el Museo Pushkin en Moscú. , donde tuvieron una retrospectiva en 2008.

Kabakov se mantuvo firmemente crítico con Rusia hasta el final; el obituario de él por TASS, la agencia de noticias estatal de Rusia, anotado que la página de Facebook de su fundación sigue prohibida en el país. Aunque no habló mucho sobre la guerra en Ucrania, Emilia sí lo hizo, calificándola como “la más aterradora de las guerras porque parece posible que pueda conducir a una guerra nuclear total” en una entrevista con el Periódico de arte en 2022.

A pesar de la acidez de su arte, los Kabakov expresaron periódicamente sentimientos optimistas. En 2005, lanzaron un proyecto llamado Barco de la tolerancia, un barco de madera cuyas velas están cubiertas de dibujos infantiles sobre la tolerancia. En las últimas dos décadas ha visitado Sharjah, Miami, La Habana, Nueva York y el Oasis de Siwa en Egipto.

“El objetivo, por supuesto, es la conexión con otras culturas, y el barco es el símbolo”, dijo Ilya. ARTnoticias en 2011. “Los niños son muy sensibles a esto. Otros símbolos son el viento, el mensaje en la botella, la libertad del mar. Los niños tienen que saber que su mensaje será escuchado”.