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Jennifer Bartlett, titán de la escena neoyorquina que abrió un nuevo camino para la pintura, muere a los 81 años

Jennifer Bartlett, titán de la escena neoyorquina que abrió un nuevo camino para la pintura, muere a los 81 años | Noticias de Buenaventura, Colombia y el Mundo

Jennifer Bartlett, cuyos experimentos de someter la pintura a sistemas de reglas predeterminados le habían ganado seguidores leales, murió el 25 de julio en Amagansett, Nueva York, a los 81 años. Un representante de Paula Cooper Gallery, que ofreció a Bartlett algunas de sus primeras exposiciones, confirmó su muerte.

Las pinturas de Bartlett son bastante diferentes a casi cualquier otra realizada por artistas de su generación y, por esa razón, siempre la han convertido en una artista especial a los ojos de muchos. Encontró formas únicas de adaptar la abstracción a una era de minimalismo sin pasar de lleno al arte conceptual. Al mismo tiempo, también logró el complicado acto de equilibrio de trabajar en un modo semi-abstracto sin dejar atrás la figuración por completo.

Sus temas variaban ampliamente. Creó abstracciones dispuestas en vastas y épicas cuadrículas que abarcan enormes paredes, así como imágenes más pintorescas que son mucho más pequeñas en escala. Pintó imágenes aparentemente cotidianas de salas de hospital y paisajes deslumbrantes compuestos por toques de pintura cuadriculados. Ella incluso produjo una de las pocas imágenes del 11 de septiembre que retrata explícitamente los eventos del día.

“Una de las pintoras más conocidas de su generación, Bartlett combinó a la perfección la refinada estética del minimalismo con la pintura expresiva y emotiva, y deja un vasto y variado cuerpo de trabajo”, Paula Cooper Gallery y Marianne Boesky Gallery, sus dos representantes en Nueva York. , dijo en un comunicado conjunto.

Muchos críticos han considerado el avance de Bartlett como Rapsodia (1975-1976), un arreglo cuadriculado de pinturas que, cuando se instala por completo, abarca más de 150 pies de espacio. Algunas imágenes se combinan para formar elementos naturales simples como una montaña o un océano, otras evocan yuxtaposiciones ordenadas entre líneas onduladas. En su conjunto, la pieza representa “todo”, como dijo una vez Bartlett.

Gran galería con un cuadro abstracto dispuesto en cuadrícula en sus paredes.

Jennifer Bartlett, Rapsodia1975–76.

Foto John Wronn/Museo de Arte Moderno

La obra es emblemática del inusual proceso pictórico de Bartlett. Ella evitó el lienzo por láminas de acero al horno, todas ellas de 12 pulgadas cuadradas, y la pintura al óleo por el esmalte, que se asocia más comúnmente con pasatiempos que con las bellas artes. Las piezas se produjeron individualmente en los estudios de Long Island y Manhattan de Bartlett, y ella tomaría una decisión al día siguiente de su creación si le gustaban o no. Aunque sus imágenes a menudo parecen banales, pasó horas en bibliotecas investigando la naturaleza que representaba.

Casi inmediatamente después de su exhibición en la Galería Paula Cooper, Rapsodia fue percibido como un trabajo importante. New York Times crítico John Russell llamó la pieza la “obra de arte nuevo más ambiciosa que se me ha presentado desde que comencé a vivir en Nueva York”.

Cuando se exhibió en 1976, Sidney Singer, un coleccionista de Westchester que aún no había formado una colección importante, compró la obra en su totalidad por $45,000, una suma que un 1985 Neoyorquino perfil de Bartlett descrito como «astronómico». (Ella no quería que el trabajo se dividiera y «nunca había pensado realmente que podría venderse intacto»).

Singer luego vendió la pintura, y fue comprada en los años 90 por más de $1 millón a Edward R. Brida, un desarrollador de bienes raíces que luego dedicó su tiempo a coleccionar arte. Se quedó con una parte de esa suma relativamente grande, que llegó en un momento en que no tenía una representación formal en la galería. Antes su muerte en 2006Brida entregó cerca de 200 obras, entre ellas Rapsodia, al Museo de Arte Moderno de Nueva York, que le otorgó un lugar de honor en un espacioso atrio durante la renovación de su colección de 2019.

Jennifer Bartlett nació en 1941 en Long Beach, California, de padre propietario de una empresa de construcción y madre ilustradora de moda. Sus padres tenían una visión específica para ella: «Creo que a mi madre le hubiera gustado que yo consiguiera un trabajo en las tarjetas Hallmark, pintara un poco, me casara felizmente, tuviera algunos hijos y viviera en Long Beach», dijo. dicho Gente. Pero el objetivo de Bartlett era mudarse lejos, a Nueva York, y convertirse allí en artista.

Habiendo fomentado efectivamente su propio interés en la pintura, representando a Cenicienta cientos de veces cuando era niña, estudió arte en Mills College en Oakland como estudiante universitaria. Luego fue a la Universidad de Yale para obtener un MFA y conoció al estudiante de medicina Edward Bartlett, con quien se casó. Su matrimonio finalmente se vino abajo cuando Jennifer intentó afianzarse en la escena de Nueva York mientras Edward se concentraba en su carrera en Connecticut.

Retrato de Jennifer Bartlett arrodillada en el suelo ante un cuadro cuadriculado.

Jennifer Bartlett, 1975.

Cortesía de la galería Paula Cooper

En Manhattan, Bartlett mantuvo un estudio en SoHo y se hizo amiga de artistas como Elizabeth Murray, Jonathan Borofsky y Barry LeVa. En 1970, debutó en Nueva York en el departamento de Alan Saret, quien era en ese momento un artista conocido. Expuso algunos de sus primeros trabajos que se habían realizado evitando específicamente ciertos colores: «No sentí ninguna necesidad de naranja o violento, pero sí necesitaba verde», le dijo una vez a Calvin Tomkins, y combinando y recombinando esos tonos usando sistemas de su propia invención.

“Lo que ella estaba haciendo sonado como el arte conceptual: estaba usando sistemas matemáticos para determinar la ubicación de sus puntos”, escribió Tomkins. “Pero los resultados, todos esos puntos brillantes y de colores astringentes que rebotan y se forman en grupos en la cuadrícula, nunca parecieron conceptuales”.

La propia Bartlett lo expresó de una manera aún más directa en un 2013 entrevista con el New York Times:: “La grilla no es una cosa estética, la verdad. Es un método de organización. Me gusta organizar las cosas. Cualquier cosa.»

Las comparaciones entre el arte de Bartlett de los años 70 y otras formas de arte son comunes. El crítico Hal Foster ha señalado similitudes entre estas pinturas y la música; otros han visto alineaciones entre la escritura de Bartlett: ella escribió una memoria de 1985 llamada La historia del universo—y sus pinturas. Pero la propia Bartlett se ha encogido de hombros ante cualquiera de estas comparaciones.

Durante las décadas de 1970 y 1980, Bartlett alcanzó un nivel de fama que era raro en ese momento para las pintoras en los EE. Pabellón de Estados Unidos en la Bienal de Venecia. En 1985, tuvo una retrospectiva que comenzó en el Walker Art Center en Minneapolis y viajó por todo el país. Paula Cooper, una de las principales distribuidoras de Nueva York, continuaría ofreciendo numerosos espectáculos a Bartlett, al igual que la Locks Gallery de Filadelfia a partir de los años 90.

Pintura de peces koi nadando en un estanque oscuro entre nenúfares.

Jennifer Bartlett, Aire: 24 Horas, Cinco PM1991-1992.

Corbis/VCG vía Getty Images/Museo Metropolitano de Arte

Su trabajo tomó un interés cada vez mayor en el mundo natural. Su serie de 1980–83 “En el jardín” fue el resultado de un intento de representar un jardín en una villa en Niza, Francia, unas 200 veces, con cada interpretación desde una perspectiva diferente. También comenzó a trabajar en encargos a gran escala, incluidos océano Pacífico (1984), una pintura de 30 pies de largo de olas rompiendo contra una orilla hecha para AT&T que se ejecutó en un estilo fotorrealista, lo que hace que a veces parezca una imagen hecha con una cámara.

El océano y las playas se convertirían en temas recurrentes en su obra, sobre todo reapareciendo en una serie de 2007, «Amagansett», que presenta vistas de esa ciudad de Long Island superpuestas con cuadrículas que parecen temblar.

El paso del tiempo fue otro interés que se manifestó con frecuencia en el arte de Bartlett. Su serie de 1991–92 “AIR: 24 Hours” es un ciclo de pinturas que intenta trazar un día en el estudio de Bartlett en Manhattan y sus alrededores. Los bailarines recorren la calle a las 5 am; una caja se desempaca a las 11 am; los peces koi se retuercen bajo los nenúfares a las 5 pm Los cambios de perspectiva abundan.

En el camino, no se desvió de la fórmula que la hizo famosa, mostrando una pieza de 158 pies de largo similar a Rapsodia en Pace Gallery en 2011. Titulado Recitadofue elogiado como «una meditación más profunda sobre la era digital que cualquier número de las llamadas obras de arte digitales» por Jeff Frederick en Arte en América. Una retrospectiva con obras similares a esta apareció en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y el Museo de Arte Parrish dos años después.

A pesar de los conceptos altivos que los historiadores del arte atribuyeron a las pinturas de Bartlett, ella siempre describió su proceso como algo intuitivo.

“Pasé 30 años tratando de convencer a la gente y a mí misma de que era inteligente, que era una buena pintora, que era esto o aquello”, le dijo a la pintora Elizabeth Murray durante un BOMBA entrevista en 2005. “No va a pasar. La única persona a la que le debería pasar es a mí. Esto es lo que estaba destinado a hacer”.

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Author: Redacción

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