Los mejores stands en la Expo Chicago, desde una oda a los héroes locales hasta exhibiciones individuales

Galerías ACA

Desde la apertura hasta el cierre del día de presentación preliminar, el stand de ACA Galleries estuvo lleno de figuras humanas, tanto en forma de VIP entusiastas que clamaban por la riqueza de las obras de Faith Ringgold a la venta o los temas de dichas obras. Con una exquisita selección de edredones y estampados, las damas se agolpan en las torres del puente George Washington; una banda elegantemente vestida toca para la alegría de una mujer soltera elegantemente vestida; y los sentados solitarios miran audazmente desde sus marcos. El mes pasado, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago cerró una retrospectiva de 60 años de Ringgold, acertadamente titulada “American People”, y al menos una obra de esa muestra llegó a la Expo: La colección francesa Parte I, n.° 4: La abeja que acolcha los girasoles en Arles (1991), un acrílico sobre lienzo forrado de tela. Ringgold nació en Nueva York, pero sus historias de género y clase, raza y política encuentran fuerza en cualquier lugar de Estados Unidos.

Galería Eric Firestone

A juzgar por la programación reciente de Eric Firestone (ay de los neoyorquinos que se perdieron una exposición reciente sobre el colectivo Godzilla), la galería obtiene lo que significa un éxito para una exposición colectiva. Ningún color, patrón o material se queda más allá de lo esperado; cada adición enriquece el lote, todo al servicio de un gran propósito. El stand de la galería en la Expo es más o menos lo mismo: una vibrante mezcla de pinturas, cerámicas y collages. Una pintura de Regina Granne de 1967-70 se encuentra entre los desnudos más interesantes en el piso de ventas, y un collage en blanco y negro de 2024 de Cato, un artista y músico afincado en Londres, es un adelanto prometedor para su próxima exposición en la galería.

Dos escenas al aire libre se emparejan lógicamente. Ahí está Soren Hope ¿Dónde está tu remo? (2022-24), que describe lo que podría ser una venta de garaje de verano. En él, una mujer descalza y con las piernas desnudas sentada en una silla de jardín acepta un dólar a cambio de un trozo de manguera; una persona, abstraída más allá de un género discernible, lucha por ponerse una bota de vaquero. También está el campo de flores pintado de Huê Thi Hoffmaster, sin gente: sólo pétalos que se abren ansiosamente al sol.

Andie Dinkin en Half Gallery

En la presentación individual en el stand de Half Gallery, Andie Dinkin ha pintado a personas interesantes disfrutando de lujosas aventuras en lugares extraños. El espectador no llega ni tarde ni temprano, lo que cualquier fiestero experimentado sabe que es el momento óptimo para sumergirse en la acción. Los desconocidos se han convertido en confidentes; La pequeña charla ha encendido el debate (o, mejor aún, el chisme). Nadie es demasiado rígido o descuidado. Con la libación y la luz de la luna, las cosas mundanas (la luz de las velas, el pastel, el champán) adquieren un romance insoportable. Si miras de cerca estas pinturas, verás figuras fantásticas de la historia del arte, como una mística azotada por el viento que recuerda a Remedios Varo, o un gran pez luchando con un asistente en el espíritu de Hieronymus Bosch (Willem Dafoe está sentado, también). Está claro por qué Dinkin ganó el encargo de pintar las paredes del nuevo y elegante restaurante Gigi’s de Los Ángeles: conoce el color y la composición y, lo que es más importante, por qué lo surrealista es deseable.

Voluspa Jarpa en la Galería NOME

Una de las mejores secciones de Expo es Exposure, una serie de presentaciones individuales y de dos artistas representadas por galerías jóvenes curadas por Rosario Güiraldes del Walker Art Center. Y uno de los participantes más memorables de Exposure es NOME Gallery, que reunió una incisiva selección de obras del pintor, escultor y artista de instalaciones Voluspa Jarpa. No es un talento emergente, ya que representó a Chile en la Bienal de Venecia de 2019 y participó en la Bienal de Shanghai (2018) y la Bienal de São Paulo (2014), pero la Expo debería convertirla en un nombre más familiar en Estados Unidos.

Jarpa se ocupa de la historia hegemónica: una herramienta represiva de la policía secreta y los líderes mundiales que es fácil de detectar, pero laboriosa de deshacer. Frente a un enemigo como la falsa memoria, blande pruebas del pasado: registros gubernamentales, símbolos estatales, relatos de testigos presenciales, estudios antropológicos. En la entrada de la Expo cuelga una instalación que raspa el techo, titulada desclasificado (2021) y parte de la sección In/Situ curada por Amara Antilla. El trabajo pertenece a su serie “Minimal Secrets”, que se centra en épocas de desinformación, como el régimen de Pinochet y la Guerra Fría. Dentro del stand de NOME, bobinas de registros redactados están elegantemente colgados contra la pared, aunque el tema es grotesco: los zoológicos humanos, un fenómeno prominente en las ciudades durante los siglos XIX y XX. Esta instalación comparte espacio con una serie de delicados dibujos basados ​​en relatos de primera mano de la vida indígena en América antes de la colonización. Las comunidades están representadas en el ocio de la vida cotidiana, y es un espectáculo triste e inquietante. El espectador sabe que el horror llega para quedarse.

Galería Nancy Hoffman

Nancy Hoffman Gallery tituló su presentación en la Expo “Real, Really Real, Surreal, Super-real” y organizó sus productos a lo largo de esas divisiones diáfanas. El concepto de “Real”, tal como lo exploran los artistas aquí, no debe confundirse con el Realismo, que intenta invocar lo cotidiano tal como es, libre de especulaciones. La perspectiva gobierna este ámbito, mientras los artistas interrogan la materialidad, los valores y los recuerdos que forman el mundo en el que existen singularmente. Las naturalezas muertas son un poco extrañas: Nathalia Edenmont claramente ha maltratado los huevos en sus fotografías, humedeciendo y rompiendo sus cáscaras para preparar un primer plano. Las personas parecen arrancadas de sueños o de recuerdos medio interiorizados, como en el caso de las pequeñas figuras que saltan entre las espinas de una piña en un grabado de Tiffany Shlain. Los retratos pintados por Hung Liu, sin embargo, pueden ser los que mejor se adapten al tema del stand, dada su maestría para fusionar el mito personal y la historia nacional. Liu, que murió en 2021, llamó a su estilo “realismo lloroso”, ya que se dejaba gotear su aceite de linaza preferido, de modo que la silueta de sus modelos, muchos de ellos recreados a partir de fotografías, parecía estar llorando. El tema de Estudio de la novia manchú (2015) fue pintada a la moda y ella se materializó sobre un fondo de oro macizo como la heroína ascendente.

Cernuda Arte

Es difícil pasar por alto el derroche de color y forma que surge del stand de Cernuda Arte. La galería, originaria de Coral Gables, Florida, es un destacado proveedor de arte cubano y ha traído una variedad de maestros modernos de la isla, como Wifredo Lam. Lam, uno de los pocos artistas nacidos fuera de América y Europa que alcanzó el estrellato artístico en Occidente en la posguerra, abrazó las convenciones revolucionarias del surrealismo, al tiempo que sintetizó su estética con la espiritualidad afrocubana, el paisaje tropical y la política cubana. Otro stand destacado es el del pintor, intérprete y escultor Manuel Mendive. Al igual que Lam, Mendive se basa en las historias asociadas de África occidental y Cuba, en particular los vínculos entre las religiones yoruba, la santería y el vudú. Sus interpretaciones pictóricas son decididamente menos angulares y se inclinan hacia la cualidad misteriosa y maleable de la mitología. En una pintura excepcional de Mendive expuesta, titulada El sueño del pájaro azul, la entidad titular desciende de un cielo moteado con una expresión amable y abatida. Los seguidores, seres similares a los humanos, dada su abundancia o ausencia de extremidades, se acercan y extienden una copa vacía para recibir su bendición.

Lorena Torres en SGR Galería

SGR Galería, de Bogotá, Colombia, ha dedicado su stand a una nueva serie de diez pinturas inspiradas en las sucesivas muertes de la relación sentimental y de un familiar de Lorena Torres en febrero y marzo, respectivamente. La serie, titulada «No te veré morir», es más meditativa que sensiblera y frecuentemente presenta a un hombre y una mujer que están solos, juntos. Una rosa roja y regordeta figura en cada pintura, a veces como regalo, más a menudo como arma. La pareja se abraza, sólo para que la mujer hunda su tallo en la espalda de su ex amante. En otra parte, el dúo mira decepcionado a una tercera figura tirada en el césped. Un ramo brota del pecho sangrante del joven caído, pero nadie le aplica ayuda; muriendo, extienden una mano hacia el cielo vacío. Torres, quien se describe a sí mismo como “sobreviviente de la angustia”, estuvo presente en el stand y calificó la ejecución del espectáculo como “catártica”.

DC Moore

El bien más codiciado en una feria de arte (que no es arte) es la atención. ¿Cómo conseguir coleccionistas en el stand? ¿Cómo consigues que se queden? Una respuesta puede venir en forma de un enfoque adoptado por DC Moore: emparejar a uno o dos artistas históricos (Jacob Lawrence, David Driskell, Robert Kushner) con talentos contemporáneos (Theresa Daddezio, Chie Fueki) que comparten una afinidad por los colores brillantes y enigmáticos. composiciones. Ayuda a provocar un talento con una próxima exhibición en la galería, en este caso, la pintora e ilustradora estadounidense Amy Cutler. La galería ha traído una muestra de sus intrincadas pinturas sobre papel y dibujos de grafito de mujeres, animales y quimeras que representan cuentos populares incalculables. En el gouache sobre papel Comienzo (2023), los arqueros, que parecen estar listos para tomar el té de la tarde, disparan a caballos moteados desde el cielo. Hay algo admirable en una metáfora mixta que se niega a desmantelarse fácilmente. Se necesita coraje y curiosidad para cazar los secretos de estos guerreros.

Galería Michael Rosenfeld

Dentro de la vertiginosa selección de esculturas, ensamblajes, collages, pinturas y más de la Galería Michael Rosenfeld se encuentra una elegante oda a Chicago. El stand incluye varios artistas famosos por sus complejos exámenes de la cultura urbana negra en Estados Unidos, incluido el pintor y grabador destacado Eldzier Cortor; Archibald J. Motley, un maestro colorista que figura en la alabada exposición Harlem Renaissance del Met; y Charles White, otro célebre nativo de Chicago cuyas pinturas, lo que llamó “imágenes de dignidad”, decoran espacios públicos en todo el país. Algunos homenajes a la clase trabajadora de Chicago son más explícitos que otros. En Robert Colescott ¡Caliente amigo! Una impresión (1981), una montaña de salchichas clásicas domina casi todo el lienzo, salvo por una brillante franja azul en la parte superior.