Después de casi 30 años, el muy esperado Museo Nacional de Oslo finalmente abre sus puertas este mes

En el centro de Oslo, cerca del puerto y al lado del Centro Nobel de la Paz, se encuentra un enorme edificio de pizarra que ha generado controversia desde que estuvo en construcción durante la última década. En el lugar donde estuvo hasta 1989 una de las principales estaciones de tren de la ciudad, este imponente monolito gris, sin ventanas, hizo creer a algunos vecinos que se estaría levantando una prisión o un hospital.

Pero una vez que este nuevo edificio, diseñado por la firma alemana Kleihues + Schuwerk, abra sus puertas el 11 de junio, como el Nasjonalmuseet de Noruega, la institución de 584,480 pies cuadrados se convertirá en uno de los museos de arte más grandes de Europa por tamaño, solo superado por el Louvre. en París y el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo. Se espera que llegue un millón de visitantes durante su primer año.

Oslo ciertamente se ha tomado su tiempo para realizar este proyecto, que ha estado en proceso desde la década de 1990., cuando el Ministerio de Cultura de Noruega fusionó cuatro instituciones existentes: la Galería Nacional, el Museo de Arquitectura, el Museo de Artes Decorativas y Diseño y el Museo de Arte Contemporáneo, para crear el nuevo Nasjonalmuseet. (Cinco, si incluye el Riksutstillinger, una organización sin edificios que ha producido exposiciones itinerantes desde 1952).

“No podríamos haber soñado con una mejor ubicación”, dijo Karin Hindsbo, directora de Nasjonalmuseet desde 2017, en una entrevista reciente. “Mirando hacia atrás, me doy cuenta de lo afortunado que es que no haya dudas sobre si deberíamos o no albergar todas las instalaciones en un solo edificio. La gestión del almacenamiento y la recogida se podría haber colocado en otro lugar con una tarifa mucho más económica”.

Se ha invertido un presupuesto de $ 645 millones en esta colosal empresa, y el gobierno continuará financiando el 90 por ciento de su presupuesto operativo, y el resto provendrá de la venta de boletos y tiendas, patrocinios y donaciones, y eventos privados. De los 400.000 objetos —en formato de pinturas, esculturas, textiles, muebles y maquetas arquitectónicas— acumulados desde mediados del siglo XIX, unos 6.500 estarán a la vista en dos pisos en 87 galerías que permitirán conversaciones entre estos recién colecciones conjuntas. (El último piso del museo está reservado para exposiciones temporales).

Con 140,000 pies cuadrados dedicados a su colección permanente, esta fusión de las principales instituciones del país en un espacio significativamente más grande permitirá no solo exhibir obras nunca antes vistas, como una selección de yesos antiguos recientemente restaurados, sino también destacar los orgullos nacionales. , como una sala dedicada a Edvard Munch, que mostrará la obra más famosa del museo, su versión pintada de 1893 de El grito junto a otras conocidas piezas suyas como Virgen y Pubertad (ambos de 1894 a 1895). Además, otros espacios monográficos están dedicados a importantes artistas noruegos de diversas épocas, como el paisajista romántico Johan Christian Dahl (1788–1857); Harriet Backer (1845–1932), que también será objeto de una retrospectiva en el museo en 2023 que luego viajará al Musée d’Orsay de París; y el arquitecto Sverre Fehn (1924–2009), cuyo pabellón para la Bienal de Venecia de 1963 ha sido parcialmente recreado.

Siguiendo una línea de tiempo cronológica, las galerías de colecciones permanentes del museo incluyen agrupaciones temáticas para cada período de tiempo que han sido compuestas concienzudamente por los curadores del Nasjonalmuseet a través de un proceso de colaboración.

“¡Esta es la forma noruega!”, bromeó Hindsbo al hablar sobre el proceso de colaboración para crear las nuevas exhibiciones permanentes. “Tratamos de ser lo más democráticos posible, haciendo que curadores, educadores, gerentes de proyectos, agentes de comunicación de los 15 equipos analizaran qué se debe mostrar en cada sala y cómo. Sin duda, consumía más tiempo, pero la pantalla no tendría tantas capas si hubiéramos puesto a un departamento a cargo”.

Si los años 1100 a 1530 fueron todos sobre «Servir a la fe», los curadores argumentan que fueron seguidos por un siglo del «Efecto Gutenberg», que duró hasta 1630. Las agrupaciones en «Servir a la fe» muestran especialmente cuán expansivo fue el la colección del museo realmente lo son. Los aspectos más destacados vienen en forma de íconos del rey David y el profeta Hesekiel de la Iglesia de San Nicolás en el Monasterio de Gostinopla en el río Volkhov en Rusia que fueron vendidos por la Unión Soviética después de la Revolución Rusa. En otra parte está el tapiz de Baldishol, uno de los pocos tejidos 1200 conservados en Europa, que se encontró en la iglesia de Baldishol del siglo XVII en Hedmark. Representando los meses de abril y mayo, el tapiz es un fragmento de una obra más grande que habría representado los doce meses del año.

Un piso más arriba, el segundo piso recorre la historia de la pintura a lo largo de seis siglos, comenzando con una copia de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Para llegar allí, los visitantes suben una serie de escaleras grises que están enmarcadas por la obra de Sol LeWitt. Dibujo de pared (#839), creado originalmente en 1988 para la sede de la empresa de servicios financieros Storebrand y reconstruido el año pasado por LeWitt Collection. En la parte superior de las escaleras, pueden dirigirse a una de las dos alas: la derecha abarca desde 1500 hasta 1900 (con obras de Lucas Cranach el Viejo, Tiziano, Paul Bril, Artemisia Gentileschi y más), mientras que la izquierda cubre 1900 a 1960 (con obras de Rodin y Picasso, junto a leyendas locales como Harald Sohlberg y Gustav Vigeland).

La gran novedad aquí es que el arte contemporáneo finalmente ha encontrado su lugar en las exhibiciones de la colección permanente del museo. Pile o’Säpmi por Máret Ánne Sara, quien es una de los tres artistas sámi que se han apoderado del Pabellón Nórdico en la Bienal de Venecia de este año, es un buen ejemplo. Esta cortina de 400 cráneos de renos, cada uno con un agujero en la frente, se presentó por primera vez en Documenta 14 en 2017 como símbolo de la matanza forzada de rebaños de renos sámi según las cuotas gubernamentales en constante cambio. Ahora es la primera pieza que el público encontrará a su derecha al entrar al edificio.

Una sala de obras propiedad de las hermanas Cecilie Fredriksen y Kathrine Fredriksen, que aparecen en ARTnoticias‘s Top 200 Collectors, y que se puede ver aquí como parte de una asociación con su colección familiar, también ocupa un lugar privilegiado, con piezas de Simone Leigh, Sheila Hicks, Louise Bourgeois, Lynette Yiadom-Boakye, Eva Hesse, Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Carmen Herrera, Alice Neel y más, todos compartiendo espacio.

El diseño interior del museo, a cargo de la firma con sede en Florencia Guicciardini & Magni Architetti, gira completamente en torno al público. Cada detalle ha sido pensado para hacer más cómoda su visita. Los textos de las paredes no incluyen términos académicos o esotéricos, y se ha evitado en la medida de lo posible el enfoque histórico del arte en los movimientos que terminan en «-ismo».

Ante una sala con piezas de Monet, Morisot, Renoir y similares, el texto introductorio explica que en estas obras “el encuadre de la vista y la técnica pictórica refuerzan la impresión de despreocupación y espontaneidad. El fenómeno adquiere el nombre de Impresionismo.” Lo mismo ocurre con otro movimiento artístico: “Rostros de piel verde y narices amarillas. El mundo del arte europeo se ve desafiado por pintores que trastornan las tradiciones. ¿Su objetivo es provocar o expresar emoción? El fenómeno recibe el nombre de expresionismo”.

Multimedia juega un papel importante en la pantalla. En cada habitación, un banco interactivo esconde un dispositivo o juguete sorpresa: parlantes, tabletas en Braille, juegos de construcción para niños, pantallas táctiles. La interactividad es clave, hasta la exhibición inaugural «I Call It Art», que incluye a más de 150 artistas, siete de los cuales fueron elegidos a través de Curatron, un algoritmo desarrollado por Cameron McLeod, que permitió a los artistas enviar trabajos a través de una convocatoria abierta. proceso y seleccionar a otros artistas con los que les gustaría ser exhibidos. Su trabajo se exhibe en una sala del espacio de exhibición temporal, llamado Light Hall, e incluye piezas de Siv Vatne, Markus Li Stensrud, André Tehrani, Johanne Hestvold, Martin Sæther, Linda Lerseth, Melanie Kitti.

El resto de la exposición, que ocupa el piso superior, presenta artistas y colectivos con sede en Noruega seleccionados por los curadores del museo, como Borgny Svalastog, Marthe Minde e Ingunn Utsi, todos los cuales se han agregado recientemente a la colección permanente.

“Esta exhibición fue la oportunidad para nosotros de hacer nuevas adquisiciones”, dijo Hindsbo, quien quería montar una exhibición—y por extensión enriquecer la colección—que generaría debates sobre identidad, pertenencia, nacionalidad, democracia y exclusión de la sociedad e incluso el mundo del arte Una de las primeras preguntas que ella y su equipo se hicieron mientras preparaban el programa fue “¿Por qué algunos talentos pasan de largo? ¿Cómo podemos extrañar a algunos que aún merecen estar en el centro de atención?

Esta exhibición temporal no sería lo que es sin la participación del público. De acuerdo con el enfoque NABC (Needs, Approach, Benefits, Competition) desarrollado por la Universidad de Stanford, se preguntó a un grupo de jóvenes de entre 19 y 25 años qué esperaban de la exposición y qué pensaban del diseño y los textos de la exposición y la estrategia y programación de redes sociales del museo.

El nuevo Nasjonalmuseet seguirá utilizando este método para sus futuras exposiciones, incluidas las dedicadas al icono británico Grayson Perry, que se inaugurará en noviembre, y a la escultora franco-estadounidense Louise Bourgeois y Anna-Eva Bergman, una ilustradora noruega que se dedicó a la pintura abstracta en la década de 1940, ambos en 2023.

“Puedo decir esto ahora porque no hay nada que podamos hacer al respecto: lo hecho, hecho está”, agregó Hindsbo. “Se ha invertido tanto en la cultura que ahora se concentra en el mismo centro de Oslo: nuestro museo, junto con la ópera y la biblioteca. Si ves lo rápido que está cambiando el mundo, no estoy seguro de que ahora en 2022 sea posible hacerlo todo de nuevo, no en condiciones tan maravillosas”.