Joe Zucker, uno de los talentos más esquivos que surgieron tras el auge del expresionismo abstracto de la posguerra, falleció el 15 de mayo a los 83 años. La noticia fue confirmada por la galería David Nolan, que organizó varias exposiciones de su obra.
A partir de la década de 1970, Zucker experimentó incansablemente con la fisicalidad de la pintura como medio, desafiando la noción de que la planitud era esencial para ella. Su técnica característica consistía en sumergir bolas de algodón en pintura y pegarlas a un lienzo. Cuando se secaron, estos trozos de algodón todavía parecían brillantes y pegajosos, lo que sirvió como un recordatorio de que el proceso de Zucker era tan importante como su producto.
«Zucker fue un inventor del estilo con una actitud revolucionaria hacia el arte, un narrador y, con frecuencia, la persona más inteligente y divertida del lugar», dijo David Nolan Gallery en un comunicado. “Al igual que los piratas con los que comparó su práctica artística, Zucker era un anarquista cultural que influyó en las generaciones artísticas futuras con su espíritu innovador y su aceptación de la materialidad. Él será extrañado.»
Zucker nació en Chicago en 1941 y obtuvo un MFA del Instituto de Arte de Chicago en 1966. “La escuela del museo me permitió ver obras maestras desde el principio, y eso realmente dio forma a mi obra”, le dijo a su amigo, el el artista Chuck Close, en una entrevista para BOMBA. “Ver a un Veronese un día, a un De Kooning al siguiente, el dormitorio de Van Gogh en Arles, me generó una apreciación por las diferentes naturalezas físicas de la pintura. Sin duda influyó en la naturaleza ecléctica de mi trabajo, que es más experiencial que estético; proviene de una experiencia natural de amar la pintura más que de una disposición teórica”.
A lo largo de su carrera, sus temas cambiaron sin previo aviso de su trayectoria. Abordó preocupaciones materiales y narrativas históricas, y inventó fábulas protagonizadas por piratas y Merlín. Finalmente, creó paisajes que se curvaban en geometrías nítidas.
En los años 90, el algodón había dado paso a cuerdas y cartón, cada uno de los cuales se empleaba con fines escultóricos dentro del marco. En el caso de las cuerdas, las ensartó entre marcos de madera en una formación de cuadrícula apretada, luego pintó densamente entre las líneas, evitando la necesidad de un lienzo. Su idiosincrasia (y su locura general) lo convirtieron en una opción difícil para los entusiastas de la pintura. Se enfureció ante la seriedad de sus predecesores y se mostró inquieto entre sus pares, quienes respondieron a la pompa con descaro pop.
En los años 70 y principios de los 80, expuso en la Galería Bykert junto a Brice Marden y Chuck Close. Posteriormente, también realizó shows en Holly Solomon, uno de los espacios que defendieron el Pop art y el Minimalismo (y artistas intermedios irreverentes como Zucker). También realizó exposiciones en Mana Contemporary, Marlborough Gallery y el Parrish Art Museum en Water Mill, Nueva York, en Long Island. Zucker finalmente trasladó su estudio de la ciudad de Nueva York a East Hampton.
A principios de la década de 2000, Zucker fue objeto de exposiciones simultáneas en Gavin Brown, Paul Kasmin Gallery y Nolan/Eckman Gallery, cada una considerando un período diferente de su carrera. Paul Kasmin, por ejemplo, mostró sus “pinturas de cajas”, inspiradas en el vertido de pintura de colores vibrantes sobre una elaborada cuadrícula geométrica construida con tiras de cartón, colocadas dentro de una caja de cartón. También incluiría la tapa, haciendo de la pintura su propio contenedor.
“Muchas de mis pinturas son sus propias herramientas”, dijo a Close sobre las pinturas en cajas, y agregó: “Considero mi trabajo más conceptual y literal que expresivo. Por lo tanto, tengo más miedo al bloqueo del escritor que a crear imágenes pictóricas. Me preocupo por continuar una conexión lógica de un estilo diverso al siguiente”.
