Johannes Vermeer puede ser muy apreciado por sus escenas de interiores domésticos de la vida de la clase media, pero se sabe poco sobre el pintor barroco holandés, que vivió entre 1632 y 1675 y dejó una obra notablemente pequeña de 37 pinturas, la más famosa de las cuales son La chica de la perla (1665) y la lechera (1658-1659).
El Rijksmuseum de Amsterdam está listo para cambiar eso, ya que esta semana abre la mayor exposición de VermeerEl trabajo de ‘s hasta la fecha, con 28 pinturas en exhibición, siete de las cuales no se han exhibido en los Países Bajos en más de 200 años. La exhibición ha sido posible gracias a los préstamos de museos globales de instituciones como la Colección Frick en Nueva York y la Galería Nacional en Washington DC
Hijo de un comerciante de arte, Vermeer vivió y trabajó en Delft como pintor, comerciante de arte y director del gremio de arte St. Lucas. Fue criado como protestante reformado calvinista, pero se convirtió al catolicismo tras su matrimonio. Tuvo 11 hijos que sobrevivieron más allá de la niñez. La nueva exposición sigue temas que Vermeer retomó durante su vida, como los interiores domésticos, la religión, la seducción musical y la vida cotidiana.
Aunque Vermeer tuvo un éxito moderado durante su vida, recibiendo reconocimiento en Delft y La Haya en los Países Bajos, sus obras experimentaron un renacimiento en el siglo XIX con el auge de la cámara. Esta tecnología retomó técnicas que Vermeer había incorporado a sus pinturas, incluido su uso de la luz y el ilusionismo.
El espectáculo llega inmediatamente después de una nueva investigación técnica realizada en las pinturas, con Mauritshuis en La Haya y la Universidad de Amberes, utilizando tecnologías avanzadas de escaneo Macro-XRF y RIS. (Las mismas tecnologías se utilizaron en la pintura de Rembrandt La ronda de noche.) Los cambios realizados por Vermeer (y otros) en su trabajo han arrojado luz sobre el enfoque y la práctica general del artista, así como sobre la vida de las obras mismas. (El año pasado, el museo publicó detalles sobre la pintura subyacente de la lecheraque incluía detalles previamente desconocidos de la pieza). La investigación continuará después del cierre de la exposición y se presentará en un simposio en 2025, junto con el 350 aniversario de la muerte de Vermeer.
Antes de la nueva exposiciónque podrá verse hasta el 4 de junio de ARTnoticias habló con Gregor Weber, jefe del departamento de bellas artes del Rijksmuseum y co-comisario de la muestra.
ARTnoticias: Esta exposición es la muestra más grande del trabajo de Vermeer hasta el momento. ¿Cuál fue el impulso detrás de esto?
Gregor Weber: La última gran exposición monográfica sobre Vermeer fue en la Galería Nacional de Arte de Washington DC y en el Mauritshuis de La Haya en 1995-1996. Ahora estamos a una generación más lejos de eso. Después de casi 30 años, es necesario mostrar el trabajo de Vermeer y otros como [Pieter] de Hooch y Rembrandt [Harmenszoon van Rijn] como artistas de los Países Bajos.
El Rijksmuseum nunca ha dedicado una exposición a Vermeer hasta ahora. Desde la última exhibición, ha habido avances en nuestra comprensión del artista y su obra. También hubo una buena oportunidad de exhibir las pinturas de Vermeer prestadas por la Colección Frick mientras está en proceso de reconstrucción. La muestra incluye tres pinturas de Frick, cuatro del Rijksmuseum, tres de Mauritshaus y otras de socios de museos en Washington DC, Londres, Berlín, Dresden y Frankfurt.
UN: Es genial que puedas organizar este tipo de colaboración global. ¿Cómo concibió por primera vez el espectáculo?
GW: Nos alegró tener una selección de 28 pinturas de Vermeer para la exposición. Tuvimos que considerar el arreglo, cómo mostrarlos mejor y cómo los visitantes se acercarían a ellos. Decidimos organizar el espectáculo sobre la base de temas que Vermeer había considerado a lo largo de su carrera, en particular esta interacción entre el mundo interior y el exterior. Pinta el interior de las casas holandesas, por ejemplo, pero abre estos interiores con la mirada de una mujer que mira más allá del marco y las ventanas abiertas al mundo exterior. Elementos y detalles como ventanas abiertas y letras realmente impulsan este concepto. También captura el cortejo masculino y femenino a través de la creación de música como una invitación al espectador.
Johanes Vermeer: Mujer sosteniendo una balanza, ca. 1662-1664, óleo sobre lienzo.
Cortesía del Rijksmuseum, Ámsterdam y la Galería Nacional de Arte, Washington, DC
UN: Su investigación consideró el papel de la conversión de Vermeer al catolicismo. ¿Cómo influyó eso en la forma en que abordaste la exposición?
GW: En el catálogo y la disposición de la exposición, el catolicismo juega un papel menor. Él pintó Alegoría de la fe católica [1670–74], Cristo en la Casa de María y Marta [1654–55]y Mujer sosteniendo una balanza [ca. 1662–64], que retoman temas católicos. Tenemos tres cuadros juntos que hablan no de un mundo exterior, sino de uno interior. En estas pinturas, Vermeer habla al alma a través de temas y motivos religiosos. Pero también pintó temas muy de moda en ese momento, que eran muy opuestos a estos temas católicos, como los jóvenes que se reúnen para hacer música y beber vino.
UN: Cuénteme sobre el proyecto de investigación en colaboración en el que el Rijksmuseum ha estado trabajando con Mauritshuis.
GW: Realizamos mucha investigación técnica sobre 11 de las pinturas de Vermeer. Tenemos bastante equipo en nuestro estudio, como resultado de la Operación Nightwatch. Algunas pinturas permanecerán en el Rijksmuseum después de la exhibición para que podamos continuar examinándolas e investigándolas. Este tipo de investigación seguirá siendo un proceso continuo y la investigación técnica se publicará unos dos o tres años después.
Para la muestra, es interesante mostrar los cambios que Vermeer hizo en algunas de sus pinturas. Nos ayuda a comprender mejor su toma de decisiones durante el proceso de pintura. Estamos un poco más cerca de Vermeer no solo conceptualmente, sino también en su práctica.
UN: ¿Hay alguna idea de por qué Vermeer hizo estos cambios?
GW: Cada caso es diferente y algunos cambios fueron hechos por restauradores u otros. En Chica leyendo una carta en una ventana abierta [1657–58]por ejemplo, había un cupido flotando en la pared que luego fue pintado por otra persona.
Johanes Vermeer: la lechera1658-1659, óleo sobre lienzo.
Cortesía del Rijksmuseum, Ámsterdam
UN: ¿Cómo influyeron los descubrimientos del proyecto de conservación en el alcance de la exposición?
GW: La investigación no impacta toda la exposición, pero influyó en nuestro conocimiento de varias pinturas. En la lechera, Vermeer pintó sobre un tablero con gatos y también una canasta de fuego en primer plano. Tenemos una ilustración de esto colgada en la pared para que los visitantes tengan una idea de cómo pensó y desarrolló soluciones en su trabajo. Uno puede ver que Vermeer realmente considera la composición, la luz y el color.
UN: ¿Cuáles son algunos puntos clave del espectáculo?
GW: Vermeer fue un maestro en pintar la luz, lo que significa que entendió las reglas de la luz. Por ejemplo, la luz amarilla cálida crea sombras de pelaje azul. Como un agudo observador del mundo, Vermeer usó esto en su trabajo. Y, en ese momento, él era el único que lo hacía.
Su uso de la cámara oscura también influyó en la forma en que pintó los detalles y la distancia. Hay lugares en sus pinturas donde hay líneas afiladas y otras cosas que están borrosas o aparecen fuera de foco. Otros artistas en ese momento estaban pintando todo en foco.
Parte de mi investigación sobre las representaciones del catolicismo de Vermeer se centra en este uso de la cámara oscura porque los jesuitas escribieron mucho sobre ella como una herramienta para explicar la luz de Dios que entra en las almas de los creyentes. Creo que Vermeer estaba interesado en cómo sus vecinos, que eran jesuitas, usaban la cámara oscura como herramienta con fines teológicos, educativos y devocionales, que luego incorporó a sus pinturas. El interés en el trabajo de Vermeer se reavivó cuando se desarrolló la cámara en el siglo XIX debido a su capacidad para pintar detalles en una vista fotográfica similar.
