“Carmen hizo obras que están vivas y en constante cambio, incluso cuando parecía haber alcanzado una apoteosis o una cima, siguió mirando por encima del límite”, dijo el director ejecutivo de Lisson Gallery, Alex Logsdail, en un comunicado. La galería organizará una exposición individual en su espacio de Nueva York en mayo, para conmemorar lo que habría sido su 107 cumpleaños. A esa exhibición le seguirá una exhibición individual relacionada para inaugurar el próximo espacio de Los Ángeles de Lisson Gallery este otoño.
Herrera es mejor conocida por sus deslumbrantes abstracciones en las que los blancos y negros nítidos, los verdes y naranjas deslumbrantes, y los azules y amarillos eléctricos chocan entre sí de tal manera que solo pueden describirse como una creación de pura belleza. Ella creó estos trabajos en varios patrones: rayas verticales, cubos alternos, zigzags torcidos y más. Todos estaban definidos por sus bordes afilados. Sus innovaciones más reconocibles son a menudo las más mínimas: una franja de verde sobre un blanco brillante, por ejemplo, se siente íntima y cruda en sus manos. Primero trabajó en lienzo, luego comenzó a crear lienzos con formas en madera.
Herrera comenzó a hacer estas obras en la década de 1950, en el apogeo de la destreza de la abstracción pura durante la era de la posguerra, particularmente en Nueva York, donde residió durante mucho tiempo. Esa era estuvo dominada por artistas masculinos blancos heterosexuales, como Ellsworth Kelly y Barnett Newman, cuyas propias abstracciones comparten afinidades con las de ella. Su trabajo fue desconocido durante mucho tiempo durante este período, e incluso décadas después. Aun así, Herrera perseveró y siguió haciendo arte hasta bien entrados sus últimos años.
“El punto de partida inicial de mi trabajo es un proceso de organización que sigue los dictados de la razón”, dijo en una entrevista de 1985. “La ejecución visual está contenida dentro de la latitud permitida por la orden así establecida. Es un proceso que debe elegir, entre innumerables posibilidades, aquella que equilibre la razón y la ejecución visual.”
Aunque el mundo del arte convencional no la reconocería durante varios años más, Herrera realizó lo que ahora se consideraría una encuesta de mitad de carrera (entonces llamada retrospectiva) en el Museo Alternativo, un espacio dirigido por artistas en Nueva York en 1985. ( Tuvo solo cuatro exhibiciones individuales entre 1956 y 1985, y fue incluida en solo alrededor de una docena de exhibiciones grupales durante ese mismo período.) Su primera exhibición institucional fue en El Museo del Barrio en East Harlem en 1998. de Carolina Ponce de León y titulada “Las pinturas en blanco y negro, 1951 – 1989”, surgió a través de Tony Bechara, un amigo cercano de Herrera y en ese momento presidente del directorio del museo.
Hablando sobre las experimentaciones iniciales de Herrera con la abstracción de vanguardia en un ensayo de catálogo para la exposición de El Museo, Ponce de León escribió: “En estos primeros trabajos, Carmen Herrera lleva las fronteras de la línea, la forma y el espacio a una relación ambigua entre negativo y positivo. … Su preocupación fundamental es lograr un alto grado de complejidad a través de la economía de recursos. La precisión de estas pinturas, la sencillez de su estructura geométrica y el uso austero del color prefiguran no solo las soluciones más simplificadas de su obra posterior, sino que también anticipan el arte óptico y cinético y la pintura minimalista de borde duro que estaba de moda en Nueva York. en los años 1960.»
Fue nuevamente Bechara quien jugó un papel decisivo en llevar el arte de Herrera a un público más amplio, primero en 2004 a Frederico Sève, quien en ese momento era dueño de la Galería Latin Collector en Tribeca y estaba buscando artistas para incluir en una exposición. Esa exposición llevó a la venta de las obras de Herrera a algunos de los coleccionistas de arte más importantes del mundo, incluidas Ella Fontanals-Cisneros, Estrellita Brodsky y Agnes Gund. Al año siguiente, Gund y Bechara juntos donaron una abstracción en blanco y negro de 1952 al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Una exhibición de su trabajo en 2009 en la Ikon Gallery en Birmingham, Inglaterra, que estuvo muy vigilada, finalmente llevó a su representación en la Lisson Gallery de Londres, que mostró su trabajo por primera vez en 2012. Cuando Lisson abrió en Nueva York en 2016, inauguró la nueva galería. con una exposición individual de Herrera.
Ese mismo año, el Museo Whitney de Nueva York realizó la encuesta más grande del artista hasta la fecha. Esa exposición viajó al Wexner Center for the Arts en Ohio y al Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (K20) en Düsseldorf. En 2019, el Public Art Fund, con sede en Nueva York, le encargó a Herrera que creara una nueva escultura que se instalaría temporalmente en City Hall Park, y desde entonces ha realizado estudios en el Museo de Bellas Artes de Houston (2020) y el Condado de Los Ángeles. Museo de Arte (2021).
Numerosos museos importantes, incluido el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York, el Museo de Arte Americano Smithsonian en Washington, DC, Crystal Bridges en Arkansas, Tate en Londres, ahora poseen su trabajo, y se exhibe regularmente junto con el de sus predecesores ( como Piet Mondrian), sus contemporáneos (como Kelly) y artistas que desde entonces se han inspirado en ella.
A pesar de que la fama le llegó tarde en la vida, Herrera nunca dejó de producir trabajo. Para ella, era una búsqueda “de las resoluciones pictóricas más simples”, como dijo una vez.
Carmen Herrera nació en La Habana, Cuba, el 31 de mayo de 1915, hija de Xavier Herrera y Carmen Nieto. Su padre, quien fue el editor fundador del periódico con sede en La Habana El Mundo, murió en 1917 durante una revolución, ha dicho. “Realmente defendió todas las formas de librepensamiento política, moralmente, en todas las formas posibles”, dijo en un 2005 historia oral con el Centro de Recursos de Estudios Chicanos de UCLA. Su madre también había trabajado en un periódico y fue uno de los primeros modelos a seguir para Herrera. “Ella fue una pionera del tipo de cosas feministas, [who] siguió trabajando durante muchos años. Crecí en varios malos momentos en Cuba. Hubo todo tipo de revoluciones, dictadores y asesinatos sangrientos de mis jóvenes amigos”.
En la década de 1920 estudió pintura y dibujo en La Habana con JF Edelmann. A través de Edelmann, quien fundó la Asociación de Pintores y Escultores de Cuba, conoció a la pintora modernista Amelia Peláez, casi 20 años mayor que ella y quien se convertiría en una piedra de toque importante para Herrera en su desarrollo como artista.
Habiendo dominado el francés, Herrera fue a Marymount College en París para su educación secundaria. Mientras estuvo en París, probablemente se habría encontrado con el trabajo de los principales artistas que trabajaban en la ciudad en ese momento, desde Joaquín Torres García hasta Mondrian. Pronto regresó a Cuba y luego estudió con Isabel Chappotín Jiménez y María Teresa Gineréde de Villageliú. Pasó un año estudiando arquitectura en la Universidad de La Habana a partir de 1938 a 1939.
Herrera llegó por primera vez a los Estados Unidos cuando tenía poco más de 20 años, en 1939, poco después de casarse con su esposo, Jesse Loewenthal, un estadounidense que había visitado Cuba. Tomó clases en la histórica Art Students League de Nueva York entre 1942 y 1943, pero “Nueva York no cumplió con sus expectativas de encontrar un ambiente provocativo de arte moderno”, según el ensayo del catálogo de Ponce de León.
Luego, la pareja se mudó a París en 1948, donde permaneció hasta 1954. Fue en París donde ella encontró el ambiente necesario para crear el arte que había estado hirviendo durante mucho tiempo bajo la superficie. En la historia oral de 2005, Herrera dijo: “Empecé a pintar. Fue muy difícil encontrar el vocabulario y luché mucho, mucho tiempo. Finalmente lo logré en París. Pero realmente, me tomó años [to paint] sin ninguna dirección.”
Allí expuso en el Salon des Réalités Nouvelles, organizado por Fredo Sidès, cada año desde 1949 hasta 1952. En 1954, ella y Loewenthal se mudaron definitivamente a Nueva York, donde residió hasta su muerte. Herrera continuó haciendo su arte y Lowentahl enseñó inglés en Stuyvesant High School en el Bajo Manhattan durante 45 años hasta su muerte en 2000. Su experiencia en París la dejó comprometida con su estética individual y parece haber ignorado los movimientos en Nueva York. mundo del arte que vio a su alrededor.
En su larga vida, Herrera se vio impulsada continuamente a crear arte, incluso cuando no pudo encontrar el lenguaje para hacerlo. Después de encontrar ese lenguaje visual dentro de sí misma, trabajó sin el reconocimiento y el apoyo que solo encontraría más adelante en la vida. Eso puede deberse a que fue una búsqueda de la belleza más que cualquier otra cosa lo que la empujó a crear. Como dijo una vez, «Creo que siempre me asombrará la línea recta, su belleza es lo que me mantiene pintando».
