Redacción BL
En una tarde de octubre de 1989, el artista Keith Haring tocó repetidamente el álbum de 1971 de Marvin Gaye. Que esta pasando mientras creaba una serie de 20 dibujos. Realizadas en tinta Sumi sobre papel de lino holandés, estas obras reflexionan sobre el cambio climático y la destrucción de nuestro planeta en nombre del capitalismo.
En uno, un globo con un agujero sangra aceite detrás de una serpiente que tiene la cabeza cortada. En una nota manuscrita que abre esta serie, Haring escribe sobre cómo la canción de Gaye “cuestiona el futuro del planeta. … A veces la música es un ‘fondo’ para el dibujo, pero a veces se convierte en una parte esencial de la creación de la obra. Estos dibujos son sobre la Tierra que heredamos y la lúgubre tarea de tratar de salvarla, contra viento y marea”.
Este conjunto de dibujos es una de las primeras cosas que se ven en el Museo Rubell DC, una nueva sucursal del museo privado de la familia con sede en Miami. Las obras obtienen una galería para ellas solas. donde se repite «What’s Going On». Esa canción se irradia a través de la sala y hacia los tres niveles del museo, cuyo edificio alguna vez fue el hogar de la histórica Escuela Randall en el vecindario del noroeste de Washington, DC.
Oportunamente, Gaye fue uno de los alumnos más notables de la Escuela Randall, y Haring dedicó esta suite a su viejo amigo Steve Rubell, el hermano del cofundador del museo, Don Rubell. Steve murió en julio de 1989, solo unos meses antes de que Haring hiciera la serie. En esta sala, las presencias de Gaye, Haring y Steve Rubell son palpables.
Maximiliano Durón/ARTnews
Esa galería marca la pauta, no solo para esta exposición inaugural en el Museo Rubell DC, que toma prestado «What’s Going On» como título, sino también para la empresa en su conjunto, que había estado en proceso durante más de una década. Aunque los Rubell encargaron las obras de Haring, que se han exhibido extensamente, incluso en importantes retrospectivas en Europa, no fue hasta hace poco que Don y Mera Rubell se dieron cuenta de la influencia de la música de Gaye en la creación de la pieza.
“No sé cuándo nos dimos cuenta, pero el texto estaba justo frente a nuestros ojos”, dijo Mera, quien ha estado casada con Don desde 1964. ARTnoticias antes de la inauguración del museo la semana pasada. “Pensamos: Espera un minuto, Marvin Gaye, Keith Haring, ‘¿Qué está pasando?’ ¡Hola! Una vez que tenga ‘Qué está pasando’, se convierte en una hoja de ruta. Es un marco tan poderoso”.
Ella continuó: “La verdad absoluta es que todos los artistas de nuestra colección podrían estar en este espectáculo. Que esta pasando es arte contemporáneo. Esa es la definición”.
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Las obras de su colección, que incluye miles de piezas, están a la vista en los cuatro pisos del museo. Van desde piezas históricas de Haring, Carrie Mae Weems, Cady Noland, Barkley L. Hendricks, El Anatsui, Jenny Holzer y Kehinde Wiley hasta obras producidas en los últimos años por artistas como Cajsa von Zeipel, Genesis Tramaine, Tschabalala Self, Jonathan Lyndon Chase y Natalie Ball.
Una sala temática analiza imágenes de mujeres en la pintura de artistas como Lisa Yuskavage, Cecily Brown, Marlene Dumas y Mickalene Thomas, mientras que una galería adyacente explora preocupaciones similares en el trabajo de artistas como Self, Chase y Christina Quarles. que consideran las representaciones del cuerpo a través de la lente de la raza, el género y la rareza.
Otro espacio más está dedicado a la innovadora serie «Unbranded» de Hank Willis Thomas (2006–08), que analiza la representación de los afroamericanos en la publicidad entre 1968 y 2008. Los Rubell brindaron apoyo inicial a ese proyecto, que ha sido ampliamente exhibidas en los EE. UU. Cerca hay una galería llena de obras de Chase Hall, cuyas pinturas los Rubell comenzaron a adquirir hace apenas dos años y aún no han exhibido. Los coleccionistas recordaron que Hall había dicho que estaba ansioso por que se exhibieran en el nuevo espacio de DC.
“Creo que eso será lo que dicte las cosas: que los artistas sientan que quieren ver su trabajo y participar en él”, dijo Jason Rubell, el hijo de Don y Mera. “Creo que los artistas están sintonizados con esto como un lugar de activación”.
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Esta es una experiencia museística mucho más íntima que el espacio de Miami de Rubells, y en la que la preservación de un edificio histórico es un complemento en lugar de una distracción. Las aulas, así como la sala de profesores del tamaño de un corredor más pequeño, brindan una escala y un ambiente diferentes a los que se han convertido en el enfoque de cubo blanco que se ha convertido en la norma para los espacios de arte contemporáneo.
“Cuando llevo a la gente a un recorrido”, dijo Mera, “siempre digo: ‘Pon las manos detrás de la espalda para no asustar al guardia de seguridad y acércate mucho a la pintura’. Porque cuando ves una pintura desde aquí atrás es diferente que cuando la miras muy, muy de cerca. Aquí, ni siquiera les digo eso porque en el momento en que caminan del salón de clases a la sala del maestro, las obras están justo en tu cara”.
Agregó: “Estoy totalmente enamorada de este edificio, de la sensación que produce. Es como tener otro hijo. Amo a los dos niños”.
Al igual que su espacio en Miami, el museo de DC está destinado a permitir una agilidad en lo que pueden mostrar, con la capacidad de exhibir obras que compraron solo unos meses antes. Los Rubell adquirieron el trabajo de Sylvia Snowden, que reside en la ciudad, después de visitar su estudio a principios de este año. Las obras de Snowden son abstracciones con gruesas capas de vibrantes tonos de pintura (rosas, rojos, dorados, negros) que se construyen hasta el punto en que se vuelven esculturales. En la primera galería hay un tapiz de 2020, titulado Tierrade Christopher Myers que reflexiona sobre la pandemia, específicamente cómo Hart Island de Nueva York se convirtió en un lugar de entierro para aquellos que murieron a causa de Covid pero cuyos cuerpos no fueron reclamados.
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De manera similar, cuando los Rubell estuvieron en Nueva York en septiembre para el Armory Show, vieron el cuadro de cuatro paneles de Juanita McNeely. Psique de la mujer (1968), creado cinco años antes de que el aborto fuera legalizado en los EE. UU. con la decisión de la Corte Suprema de 1973 en Roe contra Wade. En un panel, una mujer da a luz a un feto azul. Con dolor, se agarra a dos objetos de aspecto fálico.
Desde la decisión de la Corte Suprema en junio pasado en Dobbs contra la Organización de Salud de la Mujer de Jackson, que anuló el derecho constitucional a un aborto legal, el trabajo de McNeely ha adquirido una nueva conmoción. Mera dijo que la elección de exhibir la pieza “nos fue entregada en bandeja de plata”.
Los Rubell se encuentran entre los coleccionistas más prodigiosos del país: se clasificaron en cada edición del ARTnoticias Lista de los 200 mejores coleccionistas desde 1993, y durante mucho tiempo han sido conocidos por detectar talentos y apoyar a artistas emergentes mucho antes de que obtengan un reconocimiento más amplio. Si bien puede haber cierto escepticismo en torno a la necesidad de otro museo privado para que un coleccionista muestre sus posesiones, particularmente en Washington, DC, lo que representa el Museo Rubell es algo más personal que una simple institución de arte contemporáneo. En cambio, es una carta de amor a los artistas que coleccionan y a la ciudad de DC.
Los coleccionistas no tienen otra ambición que mostrar el arte que han estado coleccionando desde 1964. Su enfoque desde entonces ha sido “el artista primero, siempre”, como lo expresó Mera. Ahora, espera que mostrar a estos artistas los encamine hacia un mayor reconocimiento en una ciudad que cuenta con algunos de los mejores museos del país.
“Es una experiencia fuera del cuerpo porque es corriente continua—es un poco intimidante”, dijo Mera. “La gente realmente espera que hagamos algo importante aquí. No nos dimos cuenta de lo hambrienta que estaba la comunidad por algo como esto, pero hay mucho deseo de traer vitalidad aquí”.
